Antes del siglo veinte, la mayor publicidad de un viaje de placer eran los relatos de viajeros, orales o escritos; historias capaces de dotar de misterio a los lugares más convencionales, o de volver cercanos los rincones más escondidos del planeta. En la era audiovisual, la posta de la seducción en materia de invitaciones a viajar la lleva la pantalla, desde los televisivos e informativos programas de viajes (incluyendo macroofertas como la de Discovery o National Geografic) hasta la platea metafórica del cine, que nos ha dado la ilusión de que la realidad cabe en ella, a la vez que ha alterado nuestra percepción e interpretación de la misma. (A propósito, es muy recomendable consultar los libros Paisajes de cine y Ciudades de cine –ambos escritos a dúo por Claudia Hellmann y Claudine Weber-Hof–, cuya lectura alimenta el deseo de ver cine y/o viajar).

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INYECCIÓN DE VITALIDAD

Las películas ‘de género’ suelen considerarse como tales en oposición a aquellas más libres, serias y ‘de autor’, pero sobre todo cuando reproducen determinados parámetros reconocibles, similares a los de centenares de otras películas. El público consumidor busca esas pautas y las exige, y por lo tanto puede decirse que un género se define en tanto existe una audiencia que lo reconoce. Para orientarse mejor, una película pertenece a un género específico cuando puede encasillarse con facilidad en alguna góndola de videoclub.

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TRAYECTORIA DEL CINEASTA AUSTRALIANO PETER WEIR

Un filme de los setenta, en el que unas chicas desaparecen sin dejar rastros. Otro de los ochenta, sobre dos amigos que se enlistan para combatir en la Gran Guerra. Una comedia de los noventa, en que Depardieu se casa con Andie MacDowell para conseguir la residencia en Estados Unidos. O la más reciente superproducción épica sobre un barco inglés que recorre medio mundo. Todas tienen una cosa en común: el sello de su director, Peter Weir.

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Esa extraña nostalgia

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Descubierto por estas latitudes hace unos años gracias a su monumental Con ánimo de amar, el director chino Wong Kar-wai ha sabido atraer la curiosidad y las miradas de muchos cinéfilos occidentales. Más adelante continuó confirmando su talento y su personalísimo estilo con películas que siguieron manteniendo un excelente nivel, y hoy es considerado por muchos como uno de los mejores cineastas en actividad. Quienes exploren su obra se darán cuenta de que, lejos de ser un talento reciente, su maestría viene de tiempo atrás y que también supo crear grandes películas antes de ser reconocido internacionalmente.

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ENTREVISTA CON PABLO STOLL

Escena de Hiroshima.

Cuando el cine se asoma al teatro

Debbie Reynolds y Gene Kelly en Cantando en la lluvia.

El principio de la estrecha relación mantenida entre el cine y el teatro se remonta quizás al año 1927. La misma obedece a razones más prácticas que artísticas. El nacimiento de las películas sonoras exigía que los actores supiesen hablar con corrección, un requisito con el cual buena parte del los ídolos del cine mudo hollywoodense no cumplían, ya sea por carencias culturales –la comedia musical Cantando en la lluvia (Singin’ in the Rain, 1952), de Gene Kelly y Stanley Donen, ilustra el punto con disfrutable ironía– cuando no por el marcado acento extranjero que mantenían las estrella de origen europeo. De ahí que los estudios decidieran recurrir a actores provenientes del teatro, es decir, a gente capaz de modular y proyectar sus líneas de modo que los primitivos micrófonos de entonces no se perdiesen una sola sílaba.

Belleza y vicio

Dos escenas de Jodhaa Akbar, de Ashutosh Gowariker, 2008.

Con el cineasta Álvaro Buela

Martín Sastre y Natalia Oreiro en videoconferencia con Rossy de Palma.

Con Virginia Martínez e Inés Bortagaray

Inés Bortagaray.

Harry Potter y la piedra filosofal.

El recurso no es nuevo, y si no, alcanza con ver El mago de Oz para comprobar cómo desde siempre el cine se apropió de libros infantiles o juveniles famosos para convertirlos en grandes producciones. Probablemente, en la fecha del estreno de la película (1939) haya habido profusas reediciones del libro de L. Frank Baum, aunque difícilmente con una foto de Judy Garland en la tapa. Esa práctica, la de convertir al libro en merchandising del film, es bastante más moderna, y prácticamente universal en estos días. De casi cada libro llevado a la pantalla actualmente, de inmediato puede encontrarse en las vidrieras de las librerías (y en las mesas de saldo poco después) una edición de la obra original, con el póster del film como tapa. Si hasta pasó con la telenovela argentina Montecristo y la novela de Alejandro Dumas El conde de Montecristo, aunque ambas tenían tantas similitudes como los dibujos animados de El pequeño héroe con la gesta artiguista.

La práctica se convierte en norma cuando se trata de libros para adolescentes. Junto con el auge de la literatura juvenil desencadenado por el éxito de la saga de Harry Potter, llegaron las inevitables películas y la frenética búsqueda por parte de los estudios de Hollywood de bases para sucesos de taquilla similares. Cuando el abaratamiento de los efectos especiales se sumó al descubrimiento del potencial económico del público consumidor mayor de diez años, la receta estuvo servida. Y hecha la película, hecho el marketing, e incluso la reimpresión del libro.

la historia de nunca comenzar

El cine uruguayo fue durante su primer siglo de existencia algo similar a ese mar que Paul Valery describía como “cada día recomenzado”. Tal vez la más costosa y menos rentable de las ramas artísticas, el cine nacional, fue inaugurado y relanzado periódicamente por diversas generaciones que confiaban en ser los primeros que lo establecieran en forma definitiva como industria, los primeros en agregarlo a la identidad cultural uruguaya. Cien años luego de que se recogieran las primeras imágenes cinematográficas en territorio uruguayo, hoy en día puede decirse que, misteriosamente, este trabajo digno de Sísifo ha tenido éxito y –bueno, malo, escaso, inquieto o adjetivado como se quiera– el cine uruguayo ha dejado de comenzar.

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CON FEDERICO VEIROJ, DIRECTOR DE ACNÉ 

Afincado actualmente en Madrid, Federico Veiroj fue continuista en 25 Watts y Whisky, y hace tres años realizó un cortometraje titulado Bergman, el siguiente. En estos momentos se encuentra trabajando en la postproducción de su primer largometraje, Acné, sobre un tímido adolescente que pierde la virginidad y debe comenzar a enfrentar sus inseguridades. El film, que fue seleccionado para participar en la sección Cine en Construcción del 55º Festival de Cine de San Sebastián, se llevó finalmente el Premio TVE, que asegura la terminación del proyecto. Dossier conversó con el cineasta pocos días antes de partir para la famosa muestra internacional que se realiza cada año en el País Vasco.

De Enrique Fernández y César Charlone

El juego de los símbolos

El tan esperado film El baño del Papa llegó a la cartelera en agosto con un buen éxito de público y desarrollando un interesante movimiento alrededor de su estreno. En parte, esto se debe a la participación de Charlone, quien es conocido por su trabajo como fotógrafo del director brasileño Fernando Meirelles (Ciudad de Dios).