Repaso crítico a doscientos años de evolución

‘Luna y rancho’, José Cuneo, 1942.

A unos cuarenta y cinco minutos del centro de la ciudad se encuentra el taller de Javier Bassi (Montevideo, 1964). Para llegar hasta allí es necesario cruzar un puente y unas antiguas vías de tren hasta encontrar un portón de malla donde ningún cartel, ni ninguna luz, advierte que ése es el destino.

Lo que se ve desde el portón es un terreno casi baldío con árboles, plantas y flores silvestres. Al fondo unas puertas corredizas de pesada madera que el dueño del lugar entreabrirá cuando se le anuncie por SMS o de alguna otra forma que alguien ha arribado.

Desde la vereda, se ve a Bassi avanzar sonriendo, cortésmente, con las llaves en la mano. Es un hombre delgado, más bien alto, con el pelo entrecano, cortado en forma asimétrica –unos mechones le caen sobre los ojos y otros se le escapan del cuello de la remera, a la altura de la nuca–. Tiene algo de estudiado descuido al tiempo que parece un caballero inglés.

La historia en la trama

El artista en su taller.

Historias escondidas

Casas solitarias. Acaso esperando habitantes. Acaso ya abandonadas. En medio de un campo también solitario. Solas en la espacialidad curva del campo uruguayo visto como la piel tensa del vientre de una mujer. Casas como cajas vacías. Osamentas en la cuchilla. Ese es el ámbito dramático que atrae a Jorge Damiani.
Y es justo que así sea: en el pasado común de los uruguayos no hay demasiadas cosas, además de estas casas que son, para la pintura de Damiani, lo que la luna para las de José Cuneo: un protagonista del espacio pictórico. Puntos de civilización en medio de la naturaleza, el conjunto de casas y los cascos de estancias son intentos empíricos de urbanización (surgidos como respuesta a las necesidades vitales: alimento, trabajo, descanso), y lugares de amparo para seres que debían protegerse de la intemperie, del descampado total, de la hostilidad del ambiente. Herederas de la caverna. Refugio. Guarida. Templo.

Pinceladas y dividendos

‘Constructivo misterioso’, Joaquín Torres García, 1932.

IMPRESIONISMO MEDITERRÁNEO

Durante las primeras décadas del siglo XX, Joaquín Sorolla (1863- 1923) fue caracterizado como el maestro español de la luz. Mientras que los impresionistas franceses habían practicado su novedosa pintura al aire libre en los alrededores de París, preferentemente a las orillas del Sena, Sorolla utilizó recursos similares a los de ellos –a quienes admiraba– cuando pintó motivos de su entorno natal, en las costas del Mediterráneo. La diferencia radicaba en la luz y en el tratamiento plástico de la misma.

Nacido en Valencia en 1863, estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. Como joven estudiante dio muestras de dominar la pintura histórica, que era la preferida en los salones y concursos oficiales de la época. En esta tónica, realizó obras como ‘Defensa del Parque de Artillería de Monteleón’ (1884) y ‘El grito del Palleter’ (1885), esta última basada en un personaje histórico, relacionado con la lucha contra la invasión francesa del país valenciano. Gracias a su destreza, recibió una beca para estudiar en Roma y París. La estadía parisina, en 1885, cuando tenía poco más de 20 años, fue decisiva para el desarrollo de su carrera. Fue entonces cuando conoció de cerca la pintura impresionista, que lo influyó profundamente. También se familiarizó con la obra de distintos pintores que practicaban un estilo naturalista, como John Singer Sargent, artista estadounidense que vivió en Europa, y el sueco Anders Zorn, quien sería reconocido por el tratamiento de la luz nórdica, especialmente los reflejos de la misma en el agua y los cuerpos desnudos.

Los rastros del rostro

Jorge Luis Borges, 1974.

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La irreversibilidad del tiempo

‘La gran función’.

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ENTREVISTA CON EL MAESTRO LINO DINETTO

Dos exposiciones simultáneas, llevadas a cabo en Montevideo a fines del año pasado, sirvieron para que el público local apreciara la producción del notable pintor italiano Lino Dinetto, quien vivió y trabajó en Uruguay durante toda la década de 1950, una época de oro para la cultura uruguaya. Luego de medio siglo de ausencia, y ya ampliamente consagrado en Italia, el maestro regresó al país con motivo de las muestras. Entrevistado en esa oportunidad por Dossier, el artista expresó emocionado que la mejor manera de regresar era con esa gran retrospectiva de su obra.

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Daniel Amaral Oyarvide

Es, de alguna manera, un artista que evita la notoriedad. En los últimos años ha expuesto con asiduidad, tanto en el exterior como en Uruguay, aunque en el ámbito local casi siempre realiza sus muestras lejos de Montevideo: en La Paloma –hermosa localidad de su Rocha natal–, en Salto, en Artigas, en Maldonado. Hace buen tiempo que decide no participar en certámenes.

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El artista en su taller

LA OBRA DE IBERÊ CAMARGO

Iberê Camargo (1914-1994) fue una de las figuras más significativas del modernismo en Brasil. Ya en los comienzos de su carrera artística manifestó una vocación expresionista, una tendencia cercana a lo no figurativo que cultivaría durante muchos años. Lo sorprendente es que Camargo, después de haber sido calificado como un maestro modernista, dio un giro a su obra que lo ubicó en un nuevo contexto. La aparición en sus pinturas de elementos figurativos –especialmente la figura humana– tratados de forma muy espontánea y con preferencia por la línea lo acercó a la pintura contemporánea de los años ochenta. Camargo escapó así de un encasillamiento involuntario y se embarcó, consciente o inconscientemente, en una aventura posmoderna.

SOBRE LA PINTURA DE FERNANDO BOTERO

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El pintor colombiano Fernando Botero (Medellín, 1932) crea un mundo repleto de humanidad, intermediado por la historia del arte y por el arte popular. Quizá sea sólo un grupo social que luce terso, pulido, lustroso diría Roland Barthes (familias de nativos en actitud de posar, presidentes con primeras damas y herederos, juntas militares, prelados saludables, vírgenes «hipertróficas y rígidas», guerrilleros en reposo, burdeles con orquestas de borrachos noctívagos animando provincianos bailongos, y también hombres y mujeres comunes –a veces provenientes de obras maestras). Grupo al que le debe gustar comer bien (lo prueban las opulentas naturalezas muertas tropicales de Botero) y hasta vestirse con prendas sedosas que hagan visible las grifas que anuncia la publicidad; grupo que mira la televisión, y que gusta vivir en los barrios históricos (caseríos coloniales de techos a dos aguas cubiertos por tejas rojas, desplegados en estrechas callejuelas empinadas y sinuosas). Un grupo cuyos hijos ya nacen idénticos a los padres. Tal vez una raza más que un grupo social. Un grupo humano que sirve como pantalla de proyección para que se le adjudiquen cualidades peculiares.

Renzo Vayra (nacido en 1971) y Gabriel Ciccariello (nacido en 1981) coincidieron en la última primavera de Madrid, junto a otros autores, en la sala de exposición del Injuve y en la composición del extenso catálogo de ConSecuencias. La historieta uruguaya. La muestra, acaso la conexión más azarosa de su empatía, se trasladó a Montevideo, la ciudad donde los jóvenes creadores trabajan y reflexionan secretamente sobre obras que exceden el uso de lápices y la invención de textos narrativos. A través de estas páginas los lectores conocerán algunos trabajos heterogéneos seleccionados por sus creadores. 

usos sociales y simbólicos de la pintura de Pedro Figari

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El arte olvidado

Es un museo creado como espectáculo. Es el reconocimiento europeo al arte nativo del resto del mundo. Es un “museo culposo”, como dicen sus detractores. “Es una de las mejores cosas que hay para ver hoy en París”, dicen los que han quedado subyugados por su estructura y su contenido. Es el museo del Quai Branly: la entrada al arte aborigen de cinco continentes reunido en Francia durante cinco siglos.

La voz de la más hermosa de las piedras

DancerR 2004