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domingo, 28 de diciembre de 2008 |
Los rastros del rostro Jorge Luis Borges, 1974. El rostro concentra la presencia de cada persona. Tanto que en las sociedades occidentales, el carozo de la identidad (todavía) se ubica más que nada en el rostro. Y el rostro es también el que hace patente la ligazón social, y la del individuo con su mundo. Según el filósofo francés Emmanuel Lévinas, la propia palabra rostro hace referencia a la presencia. Pero, advierte, no debemos confundir presencia con representación. En la representación del humano por el rostro se ha querido ver una suerte de texto jeroglífico cuya decodificación permitiría alcanzar la verdad que debía anidar detrás de la expresión y alcanzar también lo que la individualiza. Sobre ese texto, desde Leonardo (“los rastros del rostro muestran en parte los rasgos de la naturaleza de los hombres, sus vicios, su complexión”) a las efigies cortesanas de Le Brun, los artistas habrían tratado de decodificarlo aplicando una fisiognomía de las pasiones y otros.
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domingo, 28 de diciembre de 2008 |
La irreversibilidad del tiempo ‘La gran función’. En un lapso relativamente breve, desde sus tímidos comienzos en los años noventa hasta ya entrado el nuevo siglo, la obra de Ricardo Pascale ha conquistado un sitial de renombre en la plástica uruguaya y el reconocimiento de la crítica internacional. El caso de Pascale resulta curioso y nos remite a Figari, en tanto fue conocido primero como destacado profesional ejerciendo cargos de gobierno que como artista. Además fue docente de economía durante cuarenta años ininterrumpidos. De sus inicios como artista, de su doble condición de creador y economista y de su última muestra conversamos con Ricardo Pascale. Esta nota es apenas un resumen de esa extensa charla. |
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domingo, 31 de agosto de 2008 |
ENTREVISTA CON EL MAESTRO LINO DINETTO Dos exposiciones simultáneas, llevadas a cabo en Montevideo a fines del año pasado, sirvieron para que el público local apreciara la producción del notable pintor italiano Lino Dinetto, quien vivió y trabajó en Uruguay durante toda la década de 1950, una época de oro para la cultura uruguaya. Luego de medio siglo de ausencia, y ya ampliamente consagrado en Italia, el maestro regresó al país con motivo de las muestras. Entrevistado en esa oportunidad por Dossier, el artista expresó emocionado que la mejor manera de regresar era con esa gran retrospectiva de su obra.
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lunes, 30 de junio de 2008 |
Daniel Amaral Oyarvide Es, de alguna manera, un artista que evita la notoriedad. En los últimos años ha expuesto con asiduidad, tanto en el exterior como en Uruguay, aunque en el ámbito local casi siempre realiza sus muestras lejos de Montevideo: en La Paloma –hermosa localidad de su Rocha natal–, en Salto, en Artigas, en Maldonado. Hace buen tiempo que decide no participar en certámenes.  Artículo version pdf Junto a su perseverancia en el ejercicio pictórico, despliega en Salto y en Montevideo, de manera bastante silenciosa, una fecunda labor docente. La mejor que se puede desarrollar, aquella que no impone un sello y acepta desentrañar lo mejor de cada integrante. Alguna vez, compartiendo un almuerzo, me referí a él como artista y me respondió que no le preocupaba ser artista; lo único que realmente le importaba era ser un buen pintor, alguien que pintaba desde la más honda sinceridad.
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miércoles, 30 de abril de 2008 |
 El artista en su taller LA OBRA DE IBERÊ CAMARGO
Iberê Camargo (1914-1994) fue una de las figuras más significativas del modernismo en Brasil. Ya en los comienzos de su carrera artística manifestó una vocación expresionista, una tendencia cercana a lo no figurativo que cultivaría durante muchos años. Lo sorprendente es que Camargo, después de haber sido calificado como un maestro modernista, dio un giro a su obra que lo ubicó en un nuevo contexto. La aparición en sus pinturas de elementos figurativos –especialmente la figura humana– tratados de forma muy espontánea y con preferencia por la línea lo acercó a la pintura contemporánea de los años ochenta. Camargo escapó así de un encasillamiento involuntario y se embarcó, consciente o inconscientemente, en una aventura posmoderna. |
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viernes, 29 de febrero de 2008 |
SOBRE LA PINTURA DE FERNANDO BOTERO
 Artículo en versión PDF
El objeto de nuestra almaes el cuerpo existente y nada más. Baruch Spinoza El pintor colombiano Fernando Botero (Medellín, 1932) crea un mundo repleto de humanidad, intermediado por la historia del arte y por el arte popular. Quizá sea sólo un grupo social que luce terso, pulido, lustroso diría Roland Barthes (familias de nativos en actitud de posar, presidentes con primeras damas y herederos, juntas militares, prelados saludables, vírgenes «hipertróficas y rígidas», guerrilleros en reposo, burdeles con orquestas de borrachos noctívagos animando provincianos bailongos, y también hombres y mujeres comunes –a veces provenientes de obras maestras). Grupo al que le debe gustar comer bien (lo prueban las opulentas naturalezas muertas tropicales de Botero) y hasta vestirse con prendas sedosas que hagan visible las grifas que anuncia la publicidad; grupo que mira la televisión, y que gusta vivir en los barrios históricos (caseríos coloniales de techos a dos aguas cubiertos por tejas rojas, desplegados en estrechas callejuelas empinadas y sinuosas). Un grupo cuyos hijos ya nacen idénticos a los padres. Tal vez una raza más que un grupo social. Un grupo humano que sirve como pantalla de proyección para que se le adjudiquen cualidades peculiares.
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miércoles, 31 de octubre de 2007 |
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Renzo Vayra (nacido en 1971) y Gabriel Ciccariello (nacido en 1981) coincidieron en la última primavera de Madrid, junto a otros autores, en la sala de exposición del Injuve y en la composición del extenso catálogo de ConSecuencias. La historieta uruguaya. La muestra, acaso la conexión más azarosa de su empatía, se trasladó a Montevideo, la ciudad donde los jóvenes creadores trabajan y reflexionan secretamente sobre obras que exceden el uso de lápices y la invención de textos narrativos. A través de estas páginas los lectores conocerán algunos trabajos heterogéneos seleccionados por sus creadores. |
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viernes, 31 de agosto de 2007 |
usos sociales y simbólicos de la pintura de Pedro Figari  Artículo en formato pdf “El arte negro [es] más integral, más humano, por lo propio que está más cerca de lo salvaje”. Pedro Figari |
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lunes, 30 de abril de 2007 |
El arte olvidado Es un museo creado como espectáculo. Es el reconocimiento europeo al arte nativo del resto del mundo. Es un “museo culposo”, como dicen sus detractores. “Es una de las mejores cosas que hay para ver hoy en París”, dicen los que han quedado subyugados por su estructura y su contenido. Es el museo del Quai Branly: la entrada al arte aborigen de cinco continentes reunido en Francia durante cinco siglos. |
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