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El fabuloso invento del daguerrotipo en la tercera década del siglo diecinueve (ver recuadro) coincidió con el ascenso de la burguesía y la clase media europea, por lo que cobró rápidamente gran popularidad. Su difusión hizo que los retratos encargados a dibujantes y pintores fueran dejando paso, de forma acelerada, a la fotografía. Este aspecto incidió de manera sustancial para que la pintura se liberara de copiar fielmente a la realidad, y a su vez se abriera el camino hacia la abstracción pictórica. La novedad técnica patentada por Daguerre en París fue acogida favorablemente en el resto de Europa y cruzó rápidamente el Atlántico, insertándose en unas sociedades americanas que recién estaban acostumbrándose a ejercer la independencia política respecto de las metrópolis. 

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La tradición de la tertulia cultural uruguaya, cuyo comienzo en general se filia en el novecientos, tiene un origen mucho más remoto. Hacia el período colonial se encuentran las jugosas referencias de Isidoro de María –ese cronista de memoria prodigiosa y larga vida, que fue el primer uruguayo historiador de lo cotidiano– relacionadas con los primitivos lugares de reunión en aquel Montevideo de veladas cortas y noches silenciosas. Don Isidoro centró el diálogo cultural de entonces en el café Del Comercio, que estaba ubicado junto a la Casa de Comedias, por lo cual naturalmente recibía en sus mesas a todos los habitúes de la misma. Allí asistían, según consigna este pionero de los cronistas locales, “los de más copete”, y se ponderaban los últimos éxitos teatrales, se comentaban en voz los sucesos europeos, y hasta algún osado aludía tal vez a ciertos libros non sanctos. 

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El proyecto Muralla Abierta, el traslado del Museo de las Migraciones, el reposicionamiento del MAPI y cambios en el emblemático Cabildo de Montevideo prometen dinamizar cultural y turísticamente el casco histórico de la ciudad, a la vez de recuperar una de sus áreas más deprimidas. La directora del Departamento de Artes y Ciencias de la comuna capitalina, Ana Knobel, explicó a Dossier en qué consistirán los cambios más importantes que se operarán y que tienen como centro simbólico la recuperación de un tramo importante de la otrora gran muralla de San Felipe y Santiago.

Con la publicación de esta separata, Dossier se propone un aporte de carácter cultural a la celebración del Bicentenario> que el gobierno uruguayo viene llevando a cabo en consonancia con un gran número de estados latinoamericanos.> Si por un lado resulta discutible la elección de 2011 como año para festejar el llamado “Bicentenario-Uruguay” (¿por> qué no 2030, guardando coherencia con los grandes festejos del Centenario realizados en 1930?), queda claro que> no hay objeciones históricas para considerar esa fecha como el inicio del proceso de emancipación de la Banda> Oriental del Río Uruguay respecto a la Corona de España. 

La antología de textos que hemos seleccionado intenta ofrecer una fotografía panorámica –y razonada– del estado de las artes en estas tierras “lejanas” y “salvajes” durante el primer tercio del siglo XIX, período que deja en el centro cronológico a los nueve años de la llamada “gesta artiguista” (1811-1820). Son tres décadas en las cuales el estilo neoclásico reina tanto en las disciplinas artísticas como en la arquitectura que se practican en el futuro territorio uruguayo. La presencia del espíritu romántico, que ya campeaba en las principales ciudades europeas, sólo puede percibirse aquí en el terreno de las ideas políticas. Y de manera parcial. Sin duda que esta realidad se debió al rezago que en este sentido tenía España respecto a Francia, Inglaterra y Alemania; lo que se suma a la condición periférica del Río de la Plata en relación a los centros de poder político y cultural.

Los fragmentos que hemos reunido en esta antología provienen de fuentes muy diversas. El material que el lector encontrará en estas páginas se concentra –por razones obvias– en el ámbito montevideano, a la vez que respeta en lo posible el recorte cronológico que nos propusimos. Por supuesto que algunos de los textos ofrecidos desbordan el marco temporal de las tres primeras décadas del siglo XIX. Es el caso de la “vívida” e ilustrativa nota de José Pedro Barrán, cuyo alcance se extiende hasta 1860. Creímos que de esta forma se puede aquilatar con una mayor perspectiva las carencias elementales de infraestructura (y las costumbres “bárbaras” asociadas) existentes en la mayor parte del siglo XIX para que pudiera desarrollarse con seriedad un país independiente. Lo mismo sucede con el fragmento de la tesis en que Gustavo Verdesio plantea nuevos paradigmas para considerar el inicio de la literatura uruguaya, donde el autor se remonta a la época en que Hernandarias introdujo la ganadería, esto es, primera década del siglo XVII.

Por último, es necesario precisar que todos los textos –en su mayoría fragmentos– están acompañados al final por las respectivas referencias a las fuentes de las que fueron tomados. Cada vez que se agregó alguna palabra o frase al texto original se lo señala entre paréntesis rectos, lo mismo en el caso de los cortes. Por razones de espacio y diseño, se quitaron todas las notas al pie de página que figuraban en algunos de los artículos reproducidos.
Eduardo Roland
Editor de Dossier 

 EL AMBIENTE GEOGRÁFICO Y HUMANO (1800-1860)

Por José Pedro Barrán

TRES MIRADAS CRÍTICAS SOBRE LOS INICIOS DE LA LITERATURA URUGUAYA

1. Carlos Maggi
2. Ángel Rama
3. Gustavo Verdesio

DOS TEXTOS FUNDACIONALES José María Pérez Castellano: Carta a la Italia (1787)

Por Ángel Rama

Dámaso Antonio Larrañaga: Viaje de Montevideo a Paysandú (1815)

Por Carlos Maggi

¿NEOCLASICOS, SEUDOCLÁSICOS O CLÁSICOS?

Por Carlos Real de Azúa

LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA DE LA ÉPOCA COLONIAL

Por Antonio Lucchini

LA PINTURA EN LOS ORÍGENES DE LA NACIONALIDAD

Por Gabriel Peluffo Linari

EL FOLCLORE MUSICAL URUGUAYO

Por Lauro Ayestarán

EL TEATRO DESDE 1808 HASTA LA LLEGADA DEL ROMANTICISMO

Por Walter Rela

BAILES TRADICIONALES EN URUGUAY

Por Fernando Assunçao

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Francisco de Paula José Goya nació en Fuendetodos, provincia de Zaragoza, el 30 de marzo de 1746; y murió en Burdeos, el 30 de abril de 1828. Vivió, pues, entre dos siglos, en el espacio que cierra el XVIII y abre el XIX. Ello le permitió disponer de una doble perspectiva que marcará su obra.

En efecto, la que mira al siglo XVIII es anterior a 1792 y participa del final del Clasicismo, algunos de cuyos valores conservará (privilegia la figura humana, desdeña el paisaje, le importa el elemento moralizante). Este momento de su producción se manifiesta en retratos e incluye los cartones para tapices, obras que tienen un cierto aire de frivolidad, tanto que se ha sostenido –no sin acierto– que si hubiera concluido su creación en ese momento, la posteridad habría perdido el rastro de Goya. Ello a pesar de que el Goya del siglo XVIII viene de la escuela veneciana, y que después de Velázquez –vía Tiepolo– se convertirá en el nexo entre aquella escuela y la pintura moderna.

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BOBBY MCFERRIN, UN ONE-MAN-BAND DE VIAJE POR EL SUR

Con el equipaje mínimo

Cantante de jazz, improvisador nato y virtuoso, showman, comunicador. No importa. Bobby McFerrin ha desafiado las categorías musicales y se ha definido como un explorador. Más allá de la ambigüedad de la etiqueta, lo que está claro es que este polifacético artista neoyorquino ha hecho de su voz un instrumento prácticamente sin límites. El hit ‘Don’t worry be happy’ lo consagró como una estrella del espectáculo, pero su arte no ha quedado encorsetado por ese molde. Su último disco, VOCAbuLarieS (2010), que recibió críticas muy dispares, dejó sentado una suerte de manifiesto de su arte, en el que diluye conceptos históricos como ‘obra’ o ‘autor’. El 7 de agosto llegará a Uruguay para dar un concierto único, solo y a cappella, en el Auditorio Adela Reta del Sodre, como parte de una breve gira sudamericana.

Por cada película concluida y estrenada hay muchas que nunca llegaron a la pantalla tal como estaban concebidas, o sencillamente quedaron inconclusas. Algunas veces filmaciones enteras han cambiado de trama al ser montadas, tienen finales distintos, otros personajes o directamente una película diferente del todo queda tirada en el piso de la sala de edición, si su director fue suficientemente caprichoso o despilfarrador como para filmar de más. Esas películas a veces se recuperan y a veces no.

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CON FERNANDO LÓPEZ LAGE, ARTISTA, DOCENTE, CURADOR Y DIRECTOR DEL FAC 

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En abril, el escritor Jean Echenoz (Orange, 1948) estuvo en Montevideo, invitado por la Embajada de Francia, en la presentación de su novela Correr, que aborda la figura del atleta checo Emil Zatopek (1922- 2000). En la sala de conferencias del Teatro Solís dialogó con el público y conversó con Dossier. Echenoz, quien se niega a calificar de biográfica a su literatura, al hablar del porcentaje de ficción y de datos probados que debe contener una novela, manifestó su decisión de aumentar la ficción en sus futuras obras. En el caso de Zatopek, el autor expresó que lo eligió como personaje porque era una leyenda y lo sigue siendo, aunque el propósito no sea escribir una biografía. Dijo: ‘‘Quería escribir una novela sobre la base real de ese personaje’’. Tomando como ejemplo el manejo del guión en la novela policial, suprime en sus novelas toda dimensión psicológica de los personajes para darle prevalencia a la relación de éstos con la vida concreta, y así poder trabajar sobre los comportamientos.

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Pilobolus Dance Theatre, uno de los grupos de danza más destacados de Estados Unidos, con sede en Nueva York, regresó luego de muchos años a Uruguay, invitado por el Centro Cultural de Música y el Teatro Solís. Integrada por siete bailarines versátiles –verdaderos acróbatas–, la compañía se caracteriza desde su fundación por ofrecer un gran despliegue de energía en escena, así como por la capacidad de sorprender a los espectadores con sus creaciones. Dossier aprovechó la instancia de un taller que el grupo ofreció en Montevideo para dialogar con el bailarín Matt Del Rosario, miembro de Pilobolus desde 2008. La intención era conocer más de cerca los fundamentos artísticos de esta excepcional compañía que eligió como distintivo el nombre de un organismo muy especial: el ser vivo que lanza sus esporas con mayor velocidad y a mayor distancia en relación a su tamaño. La similitud con el grupo no es mera coincidencia.

Centro prolífico de irradiación musical, Nueva Orleans ha sabido recomponerse de varios azotes de la naturaleza, y, dicen, ha aprendido a sacarle la lengua a la tragedia. El siglo veinte le debe a esta histórica ciudad, ubicada a orillas del Misisipi, en el sur de Estados Unidos, algunos de los cambios fundamentales en la música popular global, con los gérmenes y desarrollos del blues y del jazz. Hoy sigue en pie reivindicando una rica tradición parida en los mestizajes de músicas, formas de ser y estar en el mundo.

El amplio patio del restaurante Lindolfo tropieza con el antiguo empedrado donde termina la histórica Ciudad Vieja de Montevideo. Un poco más allá, a medio vuelo de gaviota, el cerro, sobrio vigilante, marca el final del arco de la bahía cuya curva de agua recibió generosamente desde la antigua Europa a los primeros pobladores iniciándose con ellos la propia historia de Uruguay. Entre el rumor de copas y música, Lino Dinetto regresa con sus vitales ochenta y cuatro años nuevamente a Uruguay –que hace sesenta años ya lo recibía como a un artista– y comparte con Dossier una charla sobre el arte y sus protagonistas. Retorna por un breve lapso a su segunda patria con motivo de la inauguración de su exposición Forma y belleza en el Palacio Legislativo, que resume su obra y permite apreciar sus técnicas, su materia, su textura, su sensualidad, sobre todo cuando describe a la mujer, tema que tiene un lugar central en su trabajo.

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UTOPÍAS DE LO COTIDIANO

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LOS CASOS DE PRIMO LEVI E IMRE KERTÉSZ

Hay en la historia de la literatura escritores que, además de producir textos, han sido víctimas. Seres azotados por vivencias extremas. Y aunque pueda resultar paradójico, de la condición de víctimas es que surgió la pulsión de la escritura. Como si las palabras escritas fueran una cicatriz de esa herida que jamás cerrará totalmente. Estos escritores son seres humanos que han sobrevivido a la catástrofe: quizás por el azar, quizás gracias a su poderosa voluntad, quizás a su creatividad, que es lo que justamente hace que la víctima escriba y que sobreviva para contar el horror.

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VIGENCIA DE TENNESSEE WILLIAMS

Los aniversarios ayudan a recordar y revalorar a un artista y su obra. Pero no sólo eso. En el caso de Tennessee Williams concretamente, permite aquilatar su permanencia y su vigencia inalteradas, lo mismo que la formidable vitalidad de sus textos.

COLECCIONES ÚNICAS EN EL MUSEO DEL AZULEJO DE MONTEVIDEO

JAVIER D’AMBROSIO

La brisa cercana del mar amortigua el calor de la tarde a fines de enero. Son las cuatro y el sol es un disco de fuego sobre Punta Ballena. Un jeep amarillo del año 51 nos recoge en Solanas y nos traslada ruidosamente unos pocos kilómetros hacia el norte. Al subir, nos invade un penetrante olor a nafta: “Recién llené el tanque”, nos dice un hombre joven, sonriente, de aspecto deportivo.

A pocos minutos de la civilización se encuentra la casa de Javier D’Ambrosio, nuestro ocasional chofer, situada en un afloramiento rocoso que geológicamente forma parte de esa magnífica cadena de rocas volcánicas que se extiende hasta las sierras de Minas como la gran columna vertebral de un enorme ofidio. El jeep traspasa una portera y se detiene al pie de la vivienda. Hay que ascender por rústicas escaleras de grandes troncos y piedras. La vegetación serrana invade las estribaciones de la casa, a modo de jardín natural; el perfume de la marcela inunda el calor que el soplo del mar – que no vemos– obstinadamente envuelve.

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Antes del siglo veinte, la mayor publicidad de un viaje de placer eran los relatos de viajeros, orales o escritos; historias capaces de dotar de misterio a los lugares más convencionales, o de volver cercanos los rincones más escondidos del planeta. En la era audiovisual, la posta de la seducción en materia de invitaciones a viajar la lleva la pantalla, desde los televisivos e informativos programas de viajes (incluyendo macroofertas como la de Discovery o National Geografic) hasta la platea metafórica del cine, que nos ha dado la ilusión de que la realidad cabe en ella, a la vez que ha alterado nuestra percepción e interpretación de la misma. (A propósito, es muy recomendable consultar los libros Paisajes de cine y Ciudades de cine –ambos escritos a dúo por Claudia Hellmann y Claudine Weber-Hof–, cuya lectura alimenta el deseo de ver cine y/o viajar).

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Porque si es fácil no conocerlo, y son tantos los que lo ignoran dentro y fuera de Brasil, es muy difícil no convertirse en adicto si uno ha empezado a vislumbrar, así sea muy exteriormente, el mágico mundo narrativo de Guimarães Rosa’’, comentaba Emir Rodríguez Monegal en un artículo sobre el escritor brasileño João Guimarães Rosa, publicado en Mundo Nuevo en 1968. La afirmación, que pone en evidencia un desconocimiento no del todo infrecuente en el Río de la Plata sobre la literatura del país norteño, era seguida de una apreciación categórica: “Es como Kafka o como Borges: apenas una frase de ellos entra en nuestro sistema circulatorio estamos perdidos”. No hace falta mucho más para percibir, en esas palabras, la talla literaria de un autor que muchos han proclamado, por su gravitación en las letras contemporáneas, como el “Borges brasileño”. 

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El grupo Teatro Uno (1961-2011) que comparte con el Teatro Circular y El Galpón de Montevideo una actividad ininterrumpida como institución teatral independiente, cumple cincuenta años. Fundado en 1961 por Alberto Restuccia, Bebe Cerminara, Jorge Freccero y Graciela Figueroa, ha sido uno de los grupo más prolíficos e innovadores de la escena uruguaya, así como el encargado de introducir la vanguardia europea de los años cincuenta a través de autores como Samuel Beckett, Ionesco, Harold Pinter y hasta el día de hoy –aun sin sala propia que le permita representar sus obras– se mantiene vivito y coleando. Alberto Restuccia (poeta, dramaturgo, actor y director teatral, crítico de teatro y cine), uno de los dos sobrevivientes del grupo fundador, da cuenta en esta entrevista de algunas características propias y de su arte que nos acercan a una forma de ver el teatro y el mundo. Tan original como escandalosa.

Luego del concierto que ofreció en el Cine Teatro Plaza hacia fines del año pasado, la artista colombiana Totó la Momposina, una de las voces más importantes de la música tradicional de su país, habló con Dossier de su vida, de su oficio como “cantadora” y de su compromiso como caja de resonancia de la música de la identidad: una música sin color de raza ni bandera política, una música de libertad universal, una música para la paz.

EL BALLET VERSUS LA SALUD:

SUS LEYENDAS, RIESGOS, HISTORIAS

Pese a su estatus de arte culto, clásico, el ballet no escapa a las transformaciones, las agitadas controversias, a la puesta en la mira de los cuestionamientos a las grandes e históricas figuras. Una de esas discusiones se instaló hacia fines del pasado año con eje en los trastornos alimenticios, un flagelo en las carreras de las bailarinas, a partir de la premiada película Cisne negro de Darren Aronofsky y una crítica a El cascanueces puesto por el New York City Ballet y publicada en el New York Times. Casos históricos y trágicos, mitos y leyendas, fueron reflotados en una reflexión que se volvió necesaria sobre el estado de un arte fascinante. 

Un concurso de arquitectura para la construcción de un espacio destinado al uso público es una posibilidad para que los arquitectos hagan explícitas sus reflexiones sobre la ciudad, como una brecha de espaciopensamiento que se abre durante un tiempo para estudiar con intensidad un lugar específico. Prueba de ello fue el Concurso de Anteproyectos para la remodelación de la Plaza Independencia, cuyos premios fueron entregados el pasado 9 de noviembre en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República. Al decir del arquitecto Thomas Sprechmann, jurado por los concursantes, “si el primer premio reveló consistencia, viabilidad y creatividad, los demás trabajos premiados fueron renovadores, frescos, experimentales”. Así, unos y otros parecen estar hablando de un estado de ánimo en la cultura arquitectónica local, como si éste fuera un tiempo en el que finalmente arquitectura y cultura pudieran esperar algo la una de la otra.

MAESTRO DE LA CONMOCIÓN 

El arte como vehículo para redimir el dolor. El virtuosismo y la poesía para generar resonancias internas. El clown de Shakespeare. La violencia que se vuelve lírica. El actor cerebral que se vale de la técnica y la intuición. La acrobacia como forma de tocar el cielo. La magia del absurdo. La búsqueda de la ligereza. Son algunos de los conceptos que maneja el creador suizo Daniele Finzi Pasca (Lugano, 1964) al pensar sus obras, sus pequeños mundos de sueño que hacen ‘‘llover los ojos’’.

Tiene 74 años, pero el paso del tiempo solamente ha mejorado su voz, la herramienta gracias a la cual hoy es considerada una de las mejores intérpretes de tango de todos los tiempos. Ella lo sabe, y seguramente esté orgullosa de ello, siendo, como es, una profesional que siempre se llevó mejor con la honestidad brutal que con la falsa modestia. Pocos días después de que naciera su nuevo nieto, y mientras prepara varios proyectos, entre ellos una comedia musical argentina y un inesperado retorno a sus primeros días –los del teatro a secas–, Dossier le propuso regresar con ella a esas raíces, y Susana Rinaldi aceptó.

El balletómano tiene por lo menos tres placeres para saborear desde la butaca. El primero consiste en asombrarse ante las proezas técnicas que a veces se despliegan en el escenario. El segundo deriva de compartir la musicalidad de ciertos cuerpos cuyos movimientos parecen desdoblar el brío de una partitura como si se apropiaran de ella. El tercero...

UN ESPACIO DE VANGUARDIA
FRENTE AL LAGO ARGENTINO 

Desde el mes de diciembre los glaciares argentinos cuentan con su primer Museo del Hielo Patagónico Sur: GLACIARIUM, un centro de interpretación glaciológica que presentará las últimas investigaciones sobre los glaciares y su entorno. El museo será un moderno espacio dedicado a la investigación y divulgación de la temática glaciológica relacionada con el Parque Nacional Los Glaciares.

Madrid es una ciudad difícil de calificar. Regala a nuestros rioplatenses sentidos una experiencia cercana y afectivamente rica, desde los sabores, los olores, las texturas hasta –por qué negarlo– lo que se escucha. El disfrute de vivir Madrid excede los paseos característicos de los puntos turísticos y –como en muchos lugares– conocer pasa por transitar y dejarse llevar por una ciudad que tiene prácticamente todo.

LOS SIGNOS DE UN BÁRBARO ANTIGUO

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INYECCIÓN DE VITALIDAD

Las películas ‘de género’ suelen considerarse como tales en oposición a aquellas más libres, serias y ‘de autor’, pero sobre todo cuando reproducen determinados parámetros reconocibles, similares a los de centenares de otras películas. El público consumidor busca esas pautas y las exige, y por lo tanto puede decirse que un género se define en tanto existe una audiencia que lo reconoce. Para orientarse mejor, una película pertenece a un género específico cuando puede encasillarse con facilidad en alguna góndola de videoclub.

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INGENIERÍA POÉTICA

Guillermo Riva-Zucchelli (1925-2005) comenzó a incursionar en el campo del arte en una época tardía de su vida. Hasta entonces se había dedicado a la ingeniería civil –se graduó a los 25 años– y a trabajar en el Banco República. El artista ha dejado testimonio de que su niñez y adolescencia habían sido épocas de gran control familiar y social, que dejaba poco espacio a la espontaneidad y la creación. Luego siguieron las obligaciones profesionales y familiares, el cumplimiento de los deberes, aunque Riva-Zucchelli sentía que en algún momento iba a tener que transgredir los códigos por los que se sentía atado.

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LAS NUEVAS
TECNOLOGÍAS
Y LOS LÍMITES DEL ARTE

Artista talentoso y proteico: artista visual, poeta, ensayista, teórico (sus escritos interesan tanto como su producción visual), su obra recorre, en la mayoría de los casos en calidad de pionero y protagonista, la holografía aplicada al arte, la holopoesía, la creación de obras para transmitir por fax, el arte xeroxgrafiado, la fotografía experimental, el video, los fractales, el arte digital, los microchips encarados como prótesis humanas, la realidad virtual, las redes, la robótica, los satélites, la telepresencia, la telerrobótica, el teletransporte, los genomas, la biotecnología, la biotelemática, el código Morse, el ADN, el arte transgénico. Revisemos algunos de los hitos que marcan esta obra desafiante.

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ENTREVISTA CON ÁGUEDA DICANCRO

Águeda Dicancro comienza a hablar con una voz melodiosa, como si recitara poesía. A poco de conversar con ella, nos damos cuenta de que estamos en presencia de una personalidad tan particular como descollante. Nos recibe en su taller de la calle Minas, flanqueada por altos guardianes de vidrio. Son sus últimas obras. Gigantes, impresionantes, montadas en hierro o gruesos tablones de madera patinados de negro. Estas siluetas simbolizan y confirman el deseo de la artista por alcanzar grandes dimensiones para que sus esculturas puedan convivir con la gente.

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Por primera vez se expondrán en Montevideo obras del célebre artista de los cuadros de chocolate, algodón, alambre, azúcar, tierra, aire, hilo, tinta pura, pigmento puro, caviar, espagueti, basura, soldaditos de juguete, y hasta diamantes. Con piezas muy representativas de sus series más conocidas, Vik Muniz, el artista brasileño que ha conquistado el planeta con sus realismos ilusorios, desembarca al fin en tierras uruguayas.

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TRAYECTORIA DEL CINEASTA AUSTRALIANO PETER WEIR

Un filme de los setenta, en el que unas chicas desaparecen sin dejar rastros. Otro de los ochenta, sobre dos amigos que se enlistan para combatir en la Gran Guerra. Una comedia de los noventa, en que Depardieu se casa con Andie MacDowell para conseguir la residencia en Estados Unidos. O la más reciente superproducción épica sobre un barco inglés que recorre medio mundo. Todas tienen una cosa en común: el sello de su director, Peter Weir.

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