El erotismo en el arte

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P R Ó L O G O
Teresa Porzecanski / Erotismo: aquello que es difícil nombrar
A R T E S P L Á S T I C A S
Daniel Tomasini / El artista en busca de la belleza erótica Acceso sin registro
C I N E
Mercedes Estramil / De eso no se habla
Diego Faraone / Cuando la pornografía desplaza la sugerencia y la seducción
L I T E R A T U R A
Melisa Machado / Cierta poesía erótica uruguaya
T E A T R O
Georgina Torello / El teatro en el tocador
M Ú S I C A
Alexander Laluz / Björk & Cunningham: All is full of love
D A N Z A
Silvana Silveira / Sensualidad de los cuerpos en movimiento
F O T O G R A F Í A
Guillermo Baltar / Con el Grupo Nudos. Fotografiar cuerpos desnudos
A C E R V O C U L T U R A L Y P A T R I M O N I A L
Luciana Demaría y Eduardo Roland / El zaguán, umbral del amor
A G E N D A
María Noel Álvarez 

El artista en busca de la belleza erótica

Uno de los ‘Ignudi’ de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel.

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Si a veces se lo ha representado con los ojos vendados es porque así como “el amor es siempre ciego”, a su vez enceguece a quien lo sufre, de la manera en que Paul Anka lo ha cantado en los años sesenta con su ‘Smoke gets in your eyes’, canción paradigmática si las hay para los dobleces de una emoción siempre mal comprendida y apenas explicada.

Angustia y euforia

El otro nombre, el de Cupido, está presente en la palabra ‘concupiscencia’ que refiere a un amor desordenado y excesivo por los bienes materiales, casi promiscuo, vinculado al pecado. Sin embargo, vale la pena diferenciar este concepto de Eros-Cupido de la clásica orgía, fantasía por excelencia en civilizaciones occidentales resultado de los procesos de secularización y regulación que se afianzan con la modernidad. Mientras que “en la orgía son abolidos por un tiempo los vínculos del amor y de la exclusividad personal. Todos están a disposición de todos. Cesa la posibilidad de expresar una preferencia erótica, un rechazo”, en el erotismo hay la fascinación indeclinable por un individuo en particular, que aparece como insustituible y afecta nuestros sentidos con angustia y euforia combinadas. Es el caso del Werther de Goethe, que muere por su Carlota y es incapaz de sustituirla, recrearla o reemplazarla.
Por ello, poca paz se le atribuye al estado de enamoramiento erótico; se trata más bien inquietud, de tormento, de sufrimiento, de inseguridad y una no voluntaria dependencia emocional, todo ello al mismo tiempo. Tristeza, concentración meditabunda, despegue de lo cotidiano, abstracción recurrente, el enamorado parece enfermo y eufórico a la vez; y aunque ya no escribe largas cartas o poemas como en el siglo XIX, igualmente sus mensajes al celular de su amada son más extensos e intensos que en cualquier otra relación.

Un mundo aparte

Pero volviendo a la misteriosa frase de Bataille, es preciso estar alerta pues nuestros aspectos eróticos son centrales para nuestras vidas privadas, y más aun, íntimas, aquello que jamás mostramos a otros y que para nosotros mismos permanece casi desconocido. Es que la experiencia erótica se alimenta y crece en un mundo aparte, fuera de la vida ordinaria: no es la sexualidad, no es la pornografía, no es sino algo sin palabras que anida en las capas emocionales más profundas de cada uno. En todo caso, puede reconocérsele por la sugestión que ejerce la seducción y el ser seducido, por el trastorno que nos hiere con esa flecha ambigua.

“Eros y civilización”

Marcuse, siguiendo a Freud, explica “que toda civilización, como ejemplo la nuestra, se constituye a partir de la sublimación obligada de los impulsos instintivos, a fin de lograr un cierto grado de armonía y evitar los conflictos y la pura desintegración de lo social. Inherente a esta sublimación disciplinaria que hace posible la vida en las sociedades complejas contemporáneas, aparece un rasgo inevitable de deserotización del mundo. “La cultura exige continua sublimación; por tanto, debilita a Eros […]. Organizada mediante la renunciación y desarrollada bajo la renunciación progresiva, la civilización se inclina hacia la autodestrucción”.
De tenor parecido son las conclusiones de Norbert Elias, en cuanto a los procesos de disciplinamiento que atravesaron las sociedades modernas para poder subsistir en un contexto histórico de contención de la violencia. Antes de Foucault, dio a conocer la hipótesis que habilitaría la vida societaria: tener bajo control los cuerpos, sus impulsos y sus necesidades, a través de las normativas de protocolo y cortesía. Los umbrales del bochorno y la vergüenza serían los que mantienen cada cosa en su lugar.

Un Eros electrónico

Pero nada es tan sencillo. Basta apenas una mirada superficial sobre los contenidos de la publicidad mediática para darse cuenta de que el consumo apela a esa imperiosa necesidad de estimular símbolos e ideas de un erotismo sugerido, siempre indirecto, traído a ultranza a la vida cotidiana como recurso para reenergizar a un individuo decaído, fragilizado y contenido por las ataduras normativas de una la socialidad compleja.
Eros, envuelto bajo la promesa del progreso, sin embargo se rebela y emerge en este siglo XXI, modificado a partir de las nuevas tecnologías de la información y la comunicación que circulan en el mundo globalizado, proponiendo nuevos estereotipos eróticos de objetos, sujetos y prácticas provenientes del cine y la televisión, trasladando así la esfera íntima, antes sagrada, privada y secreta, a la exposición en el ámbito público. Se trata de un intento de reerotizar el mundo y recomponer los ingredientes de una pasión decaída, o en vías de extinción. Pero la exposición directa de imágenes porno, cibersexo, y cursos de educación sexual, no contribuye a ello; se transforma en un conjunto de recetas, técnicas y gimnasia divorciado de impulsos y emociones. La frase de Anaïs Nin “Sólo el latido al unísono del sexo y del corazón puede crear el éxtasis” es pertinente, entonces.
Según Roman Gubern, el “Eros electrónico” es el último reducto, patético, de aquella experiencia originaria de erotismo que se ha ido debilitando con los siglos y a ella se pliegan desesperadamente quienes buscan reencantar su vida propia y recuperar sensualmente un mundo secreto y perdido: “El erotismo es una de las bases del conocimiento de uno mismo, tan indispensable como la poesía”, escribió también Anaïs. D

Porzecanski, Teresa. Escritora, crítica cultural y profesora de Antropología en la Facultad de Ciencias Sociales (UdelaR).
Algunas de sus obras de ficción son: Cosas imposibles de explicar (2008), Su pequeña eternidad (2007), Una novela erótica (2000), La piel del alma (1996), Perfumes de Cartago (1994). 

Viaje crítico por cierta poesía erótica uruguaya

Otra vez Eros es el nombre de un poemario de Cristina Peri Rossi (Montevideo, 1941) publicado por la editorial Lumen de Barcelona en 1994. Obra carnívora y báquica que comienza con la misma cita a Safo de Lesbos que había oficiado como epígrafe en su primer poemario, publicado más de dos décadas antes en Montevideo:

Otra vez Eros que desata los miembros
me tortura
dulce y amargo
monstruo invencible.

Si en ese octubre parisino de 1791 la representación de Le compte Oxtiern ou les effects du libertinage hubiera sido digna de su progenitor o tenido el éxito (o el suficiente escándalo) de público y crítica, las dinámicas actuales entre teatro y pornografía serían posiblemente otras –y otra sería esta nota–. La primera crítica que se conoce sobre la obra de Donatien Alphonse François de Sade (1740-1814) aparece en Le Moniteur Universel, sin firma, el 6 de noviembre de 1791. El anónimo se refiere a la segunda función de la pieza teatral Le compte Oxtiern (la primera había sido el 22 de octubre), en la que ve un trabajo “no despojado de interés y eficacia”, aunque objetando rápidamente que “el personaje de Oxtiern es de una atrocidad repugnante. Más perverso y abyecto que Lovelace”.

Un paisaje tecnológico. Comportamientos humanizados. Una declaración y proclama amorosa. Así, la cantante Björk y el videoartista Chris Cunningham descubren un mundo de ambigüedades pobladas de erotismo y ternura a través de la canción y el videoclip (casi un videoarte) ‘All is full of love’, proponiendo una personal conjunción de lenguajes artísticos.

La incomparable sensualidad

Escena de Il mare en catene, coreografía de Francesco Ventriglia, 2003.

Grupo Nudos: Solange Pastorino, Suci Viera y José Pilone

‘La Danza de la Mariposa’, Solange Pastorino, 2007.

Elogio y memoria del zaguán

Fotos: Rodrigo López / Tratamiento digital: Fernando Álvarez Cozzi.

Creado por un joven de la aristocracia porteña y convertido en lugar de descanso de los jefes de Estado uruguayos, el Parque Nacional Anchorena es seguramente uno de los rincones más exuberantes y deslumbrantes de Uruguay. Ubicado sobre las márgenes del Río de la Plata y del San Juan, en el departamento de Colonia, allí conviven especies de flora y fauna exóticas y autóctonas, un palacio de estilo inglés y una torre de 75 metros. Pero, sobre todo, sobrevive en el aire el espíritu de un pionero que vio en esas tierras un lugar que merecía ser disfrutado con todos los sentidos.

Repaso crítico a doscientos años de evolución

‘Luna y rancho’, José Cuneo, 1942.

A unos cuarenta y cinco minutos del centro de la ciudad se encuentra el taller de Javier Bassi (Montevideo, 1964). Para llegar hasta allí es necesario cruzar un puente y unas antiguas vías de tren hasta encontrar un portón de malla donde ningún cartel, ni ninguna luz, advierte que ése es el destino.

Lo que se ve desde el portón es un terreno casi baldío con árboles, plantas y flores silvestres. Al fondo unas puertas corredizas de pesada madera que el dueño del lugar entreabrirá cuando se le anuncie por SMS o de alguna otra forma que alguien ha arribado.

Desde la vereda, se ve a Bassi avanzar sonriendo, cortésmente, con las llaves en la mano. Es un hombre delgado, más bien alto, con el pelo entrecano, cortado en forma asimétrica –unos mechones le caen sobre los ojos y otros se le escapan del cuello de la remera, a la altura de la nuca–. Tiene algo de estudiado descuido al tiempo que parece un caballero inglés.

Con la escritora colombiana Laura Restrepo

Se dio a conocer en las librerías uruguayas cuando ganó el Premio Alfaguara 2004 por su potente novela Delirio, celebrada por José Saramago como “una expresión de todo lo que Colombia tiene de fascinante”. La pluma de Laura Restrepo retrata, en esa historia, el alma herida de una mujer que vive los estragos de la violencia imperante a fines de los años ochenta en ese país, aquella instaurada por Pablo Escobar. Paradójicamente, esta escritora bogotana que es también periodista, que ha sido militante de izquierda y maestra, detesta las etiquetas regionales. Si bien ha estado siempre en el ojo de la tormenta, motivada por entender las razones que alimentan los derrames de sangre en su país, su fin último no es otro que escribir historias universales. Sin duda que ha logrado trascender el sabor local, el toque exótico de un país que hace que una historia se venda; no en vano con Delirio recibió el premio Grinzane Cavour, prestigioso galardón que ha sido otorgado a firmas como Günter Grass, J. M. Coetzee, Mario Vargas Llosa, Doris Lessing, Kenzaburo Oé. Ha escrito nueve novelas entre las que se destacan Leopardo al sol, La novia oscura e Historia de un entusiasmo, fruto, esta última, de su experiencia al ser nombrada por el presidente Belisario Bentancur miembro de la comisión negociadora de paz entre el gobierno y la guerrilla del M-19. Este año, y después de un lustro sin publicar, Restrepo regresa a los anaqueles con su obra más autobiográfica: Demasiados héroes. El germen de su experiencia en Argentina, en épocas de la dictadura de Videla, donde vivió en la clandestinidad junto a su pareja, un militante comunista argentino, y el hijo de ambos, se transforma en una ficción fascinante en la que sólo la autora y su hijo conocen los límites entre fantasía y realidad.

Es uno de los directores y compositores uruguayos más reconocidos a nivel internacional. Ha recibido numerosos premios y es considerado uno de los directores con más grabaciones editadas en la actualidad. Luego de algunos años sin dirigir en Uruguay, el pasado mes de julio fue invitado a uno de los conciertos de la actual temporada sinfónica de la Filarmónica de Montevideo. Su breve estadía montevideana fue la oportunidad para iniciar un diálogo en el que repasó algunas porciones de su extensa trayectoria y dio su visión de la dirección y la composición culta contemporáneas.

La historia en la trama

El artista en su taller.

Belleza y vicio

Dos escenas de Jodhaa Akbar, de Ashutosh Gowariker, 2008.

Mario Levrero desembarca en España

“Escribir como un perro que escarba su hoyo, una rata que hace su madriguera. Para eso: encontrar su propio punto de subdesarrollo, su propia jerga, su propio tercer mundo, su propio desierto”.

Giles Deleuze - Félix Guattari, Kafka. Por una literatura menor

Leandro Núñez, Jimena Pérez, Florencia Zabaleta y Diego Arbelo son actores jóvenes con una reconocida trayectoria sobre las tablas. En 2008 fueron seleccionados por concurso para ingresar a la Comedia Nacional, lo que significó la renovación del elenco luego de once años sin incorporar integrantes mediante llamado abierto. Juntos reflexionan sobre el salto del teatro independiente al oficial, el diálogo entre generaciones y el lugar que ocupa el actor en el teatro actual.

UNA LEYENDA VISTA DE CERCA

1.Vista parcial de la sala reconstruída después de la Segunda Guerra Mundial. 2. Nemety y Angela Gheorghiu en Falstaff, de Verdi. 3.Simon Keenlyside y Tamar Iveri en Eugenio Oneguin, de Chaicovski.

Conmoción y movimiento

Junio y julio de 2009 quedarán marcados en el calendario de la danza como los meses en que murieron dos de los coreógrafos y bailarines más influyentes de los últimos cuarenta años: la alemana Pina Bausch y el estadounidense Merce Cunningham. Ambos hicieron algo más que escuela: revolucionaron la danza y la llevaron a nuevas formas insospechadas que inspiraron a generaciones de bailarines y creadores en todo el planeta. A ella no le interesaba cómo se movía un bailarín, sino qué lo conmovía. Él, por el contrario, tuvo como uno de sus principios rectores la consigna “dance is motion not emotion” (danza es movimiento no emoción).

Las honduras del misterio

‘Lejano interior 5’.

Historias escondidas

Casas solitarias. Acaso esperando habitantes. Acaso ya abandonadas. En medio de un campo también solitario. Solas en la espacialidad curva del campo uruguayo visto como la piel tensa del vientre de una mujer. Casas como cajas vacías. Osamentas en la cuchilla. Ese es el ámbito dramático que atrae a Jorge Damiani.
Y es justo que así sea: en el pasado común de los uruguayos no hay demasiadas cosas, además de estas casas que son, para la pintura de Damiani, lo que la luna para las de José Cuneo: un protagonista del espacio pictórico. Puntos de civilización en medio de la naturaleza, el conjunto de casas y los cascos de estancias son intentos empíricos de urbanización (surgidos como respuesta a las necesidades vitales: alimento, trabajo, descanso), y lugares de amparo para seres que debían protegerse de la intemperie, del descampado total, de la hostilidad del ambiente. Herederas de la caverna. Refugio. Guarida. Templo.

Paisaje, arquitectura y plástica en José Ignacio

En el estar principal se destaca la gran escultura de Pablo Atchugarry y el techo pintado por Clever Lara.

Pinceladas y dividendos

‘Constructivo misterioso’, Joaquín Torres García, 1932.

Con el cineasta Álvaro Buela

Martín Sastre y Natalia Oreiro en videoconferencia con Rossy de Palma.

Breve historia del género policial

¿Quién lo hizo? Cuando se buscan los orígenes de lo que conocemos hoy por novela policial, negra o criminal, suele aparecer el sospechoso habitual: el notable poeta de Boston, el genial cuentista, el heredero trágico del romanticismo alemán, el enorme Edgar Allan Poe. No es el único crimen literario que se le atribuye. También parece ser buscado una y otra vez como culpable de ese otro género bastardo, la ciencia ficción.
Lo cierto es que las reglas de oro del relato policial fueron escritas en 1841 con el primero de cuatro cuentos en los que Poe puso en juego su afilada mente analítica y su fascinación por los abismos humanos. Los crímenes de la calle Morgue es entonces el texto fundador, al que seguirán El misterio de Marie Roget (1843), El escarabajo de oro (1843) y La carta robada (1845).

Tres de estos relatos son protagonizados por el caballero C. Auguste Dupin y narrados por su inseparable e innominado amigo, un juego que más tarde recreará Arthur Conan Doyle con el médico John D. Watson, el eterno sorprendido por las artes deductivas de su amigo Sherlock Holmes.

Carlos Maggi habla de su teatro

Ésta es una entrevista rara; fue hecha durante un proceso de edición, mientras trabajaba con el autor para llegar a concretar el libro imaginado. La historia es así: Edmundo Canalda, director de la editorial Fin de Siglo, me propuso trabajar en lo que debió ser el teatro completo de Carlos Maggi. Tenía por delante dos meses sin descanso y varios archivos Word. Le dije que sí, porque tenía ganas de ayudar a construir la sombra de un libro de gran calibre; sin embargo, por responsabilidad y atrevimiento, fui cambiando el proyecto de libro propuesto y Maggi se tomó el trabajo de responder todos los mensajes, las llamadas y las consultas que le hice en su casa, en la mía, por Internet… También él escribió, puso y sacó obras, reescribió y me soportó todo el tiempo que creí necesario.

Cinco meses pasaron sin pausa. Ahora Maggi está cansado, Canalda terminó de esperar, el libro está imprimiéndose. Y mientras redacto el copete de esta entrevista, siento una vez más ese sosiego pasajero que a veces queda –como decía Italo Calvino– cuando uno coopera con la literatura a través de los libros de los otros.

Entrevista con Dino Saluzzi 

En diciembre del pasado año, el Dino Saluzzi (Salta, 1935) tocó por primera vez en Montevideo, en el Aula Magna de la Universidad Católica; y este próximo 25 de julio, el bandoneonista vuelve a presentarse en el mismo sitio, del cual quedó enamorado por su acústica y donde sobre fin de año grabará un disco junto a la violonchelista alemana Anja Letcher para ECM, el célebre sello europeo creado por Manfred Eicher. Si bien la notoriedad artística de Saluzzi se inició en los años setenta, su figura adquirió mayor relieve una vez que su obra fue grabada y difundida en Europa. Compositor de lo hondo, en Saluzzi puede hallarse una síntesis personal de lo más genuino del tango, el jazz y el folclore rioplatense de las últimas cuatro décadas.

Un análisis crítico desde una perspectiva actual

La búsqueda de una estética unificada, guiada por el racionalismo y por los ideales del neoclasicismo del siglo XVIII, fue el eje organizador de la danza espectáculo tal como hoy la conocemos. Su influencia, que puede rastrearse incluso en la danza actual, se hizo sentir en los modos de representación, en la concepción del cuerpo danzante y en las categorías estéticas que caracterizaron con exclusividad la danza durante casi tres siglos.

Apuntes sobre la construcción de la fotografía uruguaya contemporánea (1966-1985)

‘Adiós a las armas’, Héctor Borgunder, 1976.

Previsiblemente, esta última realidad involucró a aquellas áreas de la expresión y la creación que se prestaban, por la riqueza de sus lenguajes, para trasponer las barreras de la censura impuesta a la palabra, tanto escrita como hablada. Una de esas áreas fue la fotografía. Estos apuntes aspiran a contribuir a la investigación sobre nuestra fotografía contemporánea, cuyo inicio sitúo en una fecha algo anterior a 1973, aunque inscripta en el proceso social, político y cultural que desembocó en el golpe militar.

Con Olivier Poivre d’Arvor, de paso por Montevideo

¿Puede un país pequeño ser visible culturalmente en un mundo globalizado?, ¿se puede con pocos recursos cambiar la imagen de un país? ¿Es posible construir imágenes culturales fuertes que sirvan como instrumento para reposicionar la cultura de un país en un contexto internacional? ¿Resultaría posible a través de políticas públicas creativas sacudir y proyectar a un país como Uruguay, hace tiempo adormecido en los laureles de su pasado? ¿Qué retos deberá afrontar la cultura en el futuro? Olivier Poivre d’Arvor, escritor, diplomático y difusor cultural francés, realizó una breve visita a nuestro país, invitado especialmente por la embajada de Francia, y en una sincera charla dialogó en exclusiva con Dossier.

IMPRESIONISMO MEDITERRÁNEO

Durante las primeras décadas del siglo XX, Joaquín Sorolla (1863- 1923) fue caracterizado como el maestro español de la luz. Mientras que los impresionistas franceses habían practicado su novedosa pintura al aire libre en los alrededores de París, preferentemente a las orillas del Sena, Sorolla utilizó recursos similares a los de ellos –a quienes admiraba– cuando pintó motivos de su entorno natal, en las costas del Mediterráneo. La diferencia radicaba en la luz y en el tratamiento plástico de la misma.

Nacido en Valencia en 1863, estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. Como joven estudiante dio muestras de dominar la pintura histórica, que era la preferida en los salones y concursos oficiales de la época. En esta tónica, realizó obras como ‘Defensa del Parque de Artillería de Monteleón’ (1884) y ‘El grito del Palleter’ (1885), esta última basada en un personaje histórico, relacionado con la lucha contra la invasión francesa del país valenciano. Gracias a su destreza, recibió una beca para estudiar en Roma y París. La estadía parisina, en 1885, cuando tenía poco más de 20 años, fue decisiva para el desarrollo de su carrera. Fue entonces cuando conoció de cerca la pintura impresionista, que lo influyó profundamente. También se familiarizó con la obra de distintos pintores que practicaban un estilo naturalista, como John Singer Sargent, artista estadounidense que vivió en Europa, y el sueco Anders Zorn, quien sería reconocido por el tratamiento de la luz nórdica, especialmente los reflejos de la misma en el agua y los cuerpos desnudos.

Horacio Quiroga

Horacio Quiroga Trabajando en su taller de San Ignacio.

De los encuentros furtivos de nuestro público teatral con hacedores extranjeros (y sus espectáculos) uno de los más sugestivos, en mucho tiempo, tuvo lugar en el Auditorio Nelly Goitiño del Sodre, del 21 al 23 de marzo, cuando En el Blanco, compañía teatral chilena liderada por Guillermo Calderón, presentó Neva y Diciembre, dos de las tres propuestas que con Clase forman una trilogía. Para quien no las vio, no está todo perdido: se habla ya de un posible retorno en setiembre del grupo –esta vez con la serie completa– a Montevideo.

Podría pensarse que asociar la condición de pianista profesional con la longevidad obedece a un peregrino aserto o a una leyenda nacida en los conservatorios musicales, sin embargo estudios realizados en Dinamarca y Estados Unidos han revelado que los diez dedos de las manos ocupan sesenta por ciento de la superficie cerebral o córtex, y que alcanza con unos simples ejercicios digitales para que la irrigación del cerebro mejore entre cinco y quince por ciento, algo que si se practica sistemáticamente a través del tiempo influye directamente en el alargamiento de la vida.

CON EL BAILARÍN Y COREÓGRAFO TITO BARBÓN

Antes de partir para Italia y España, a donde es invitado todos los años a participar como jurado en varios festivales internacionales de ballet, el bailarín uruguayo-argentino Tito Barbón, esposo y partenaire de la legendaria Margaret Graham, cofundador de la Escuela Nacional de Danza, docente y crítico especializado de ballet, repasó sus primeros pasos en este arte, los momentos más fermentales de su carrera en Uruguay, y dio su punto de vista sobre la actual situación del Sodre que fue su casa durante más de veinte años.

Un disparador de ideas y encuentros

Entrando al túnel de la Intendencia desde la calle San José, a pocos pasos por la acera derecha, un cartel reproduce una gran fotografía circense. En la imagen un canguro con guantes de box se enfrenta, dentro de un cuadrilátero, a un pugilista. La fotografía, tomada hacia 1920 en el Field de los Pocitos (antiguo campo de fútbol), señala la ubicación del Centro Municipal de Fotografía (CMDF) y quizás resuma cierta utopía, pero también algunas certezas de metas alcanzables. La acogedora sala dialoga entre la actualidad y la historia, convertida en punto referencial de la fotografía nacional. A siete años de su creación, el CMDF ha entablado una dinámica de trabajo y plasmado logros que lo erigen como uno de los motores culturales más destacados que posee la capital uruguaya y cuya incidencia se expande a otras zonas del país.

Si existe una manifestación cultural mediante la cual Uruguay logró, en algún momento de su historia, una plena sintonía con las inquietudes de vanguardia y con los aires nuevos, ésta fue la arquitectura. Entre los veinte y los cincuenta hubo en ese rubro creadores potentes e inquietos.
Consideraremos sólo las obras mayores, las que abrieron caminos, marcaron jalones y establecieron perfiles renovadores. Este criterio nos ancla de modo muy claro en el siglo XX, y nos ubica de preferencia en el período que va de 1920 a 1960.

Nancy Bacelo (1931-2007)

Como protegida por una cúpula invisible, la Feria Nacional de Libros, Grabados, Dibujos y Artesanías mantuvo durante cuarenta y siete años –en las cuatro localizaciones que tuvo– el mismo ambiente lúdico, el mismo aire a feria medieval y a cofradía de artistas y artesanos algo delirantes. Por sus pasillos y recovecos transitaron generaciones de uruguayos. Quien pasó de niño seguramente no olvida la sensación de irrealidad y magia con la que se volvía a casa. Sin embargo su creadora, Nancy Bacelo, se apoyó sobre bases bien concretas; de otra manera, movilizar a tanta gente y consolidar un emprendimiento de tal magnitud hubiera sido imposible. Mirando en perspectiva, y a un año y medio de la desaparición física de Nancy (todos la llamaban sólo por su nombre, a secas), podemos juzgar con objetividad que ‘su feria’ fue producto de haber sabido soñar con realidades. Así lo refleja una de sus tantas frases, mitad poéticas mitad pragmáticas, que se convirtió en lema de la Feria: “Para llegar tuvimos que empezar”.