Madrid es una ciudad difícil de calificar. Regala a nuestros rioplatenses sentidos una experiencia cercana y afectivamente rica, desde los sabores, los olores, las texturas hasta –por qué negarlo– lo que se escucha. El disfrute de vivir Madrid excede los paseos característicos de los puntos turísticos y –como en muchos lugares– conocer pasa por transitar y dejarse llevar por una ciudad que tiene prácticamente todo.

LOS SIGNOS DE UN BÁRBARO ANTIGUO

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INYECCIÓN DE VITALIDAD

Las películas ‘de género’ suelen considerarse como tales en oposición a aquellas más libres, serias y ‘de autor’, pero sobre todo cuando reproducen determinados parámetros reconocibles, similares a los de centenares de otras películas. El público consumidor busca esas pautas y las exige, y por lo tanto puede decirse que un género se define en tanto existe una audiencia que lo reconoce. Para orientarse mejor, una película pertenece a un género específico cuando puede encasillarse con facilidad en alguna góndola de videoclub.

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INGENIERÍA POÉTICA

Guillermo Riva-Zucchelli (1925-2005) comenzó a incursionar en el campo del arte en una época tardía de su vida. Hasta entonces se había dedicado a la ingeniería civil –se graduó a los 25 años– y a trabajar en el Banco República. El artista ha dejado testimonio de que su niñez y adolescencia habían sido épocas de gran control familiar y social, que dejaba poco espacio a la espontaneidad y la creación. Luego siguieron las obligaciones profesionales y familiares, el cumplimiento de los deberes, aunque Riva-Zucchelli sentía que en algún momento iba a tener que transgredir los códigos por los que se sentía atado.

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LAS NUEVAS
TECNOLOGÍAS
Y LOS LÍMITES DEL ARTE

Artista talentoso y proteico: artista visual, poeta, ensayista, teórico (sus escritos interesan tanto como su producción visual), su obra recorre, en la mayoría de los casos en calidad de pionero y protagonista, la holografía aplicada al arte, la holopoesía, la creación de obras para transmitir por fax, el arte xeroxgrafiado, la fotografía experimental, el video, los fractales, el arte digital, los microchips encarados como prótesis humanas, la realidad virtual, las redes, la robótica, los satélites, la telepresencia, la telerrobótica, el teletransporte, los genomas, la biotecnología, la biotelemática, el código Morse, el ADN, el arte transgénico. Revisemos algunos de los hitos que marcan esta obra desafiante.

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ENTREVISTA CON ÁGUEDA DICANCRO

Águeda Dicancro comienza a hablar con una voz melodiosa, como si recitara poesía. A poco de conversar con ella, nos damos cuenta de que estamos en presencia de una personalidad tan particular como descollante. Nos recibe en su taller de la calle Minas, flanqueada por altos guardianes de vidrio. Son sus últimas obras. Gigantes, impresionantes, montadas en hierro o gruesos tablones de madera patinados de negro. Estas siluetas simbolizan y confirman el deseo de la artista por alcanzar grandes dimensiones para que sus esculturas puedan convivir con la gente.

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Por primera vez se expondrán en Montevideo obras del célebre artista de los cuadros de chocolate, algodón, alambre, azúcar, tierra, aire, hilo, tinta pura, pigmento puro, caviar, espagueti, basura, soldaditos de juguete, y hasta diamantes. Con piezas muy representativas de sus series más conocidas, Vik Muniz, el artista brasileño que ha conquistado el planeta con sus realismos ilusorios, desembarca al fin en tierras uruguayas.

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TRAYECTORIA DEL CINEASTA AUSTRALIANO PETER WEIR

Un filme de los setenta, en el que unas chicas desaparecen sin dejar rastros. Otro de los ochenta, sobre dos amigos que se enlistan para combatir en la Gran Guerra. Una comedia de los noventa, en que Depardieu se casa con Andie MacDowell para conseguir la residencia en Estados Unidos. O la más reciente superproducción épica sobre un barco inglés que recorre medio mundo. Todas tienen una cosa en común: el sello de su director, Peter Weir.

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EL FESTIVAL EÑE AMÉRICA EN MONTEVIDEO

Compartir la riqueza de la lengua y generar un intercambio a ambos lados del Atlántico fue el propósito de La Fábrica, la activísima empresa madrileña de gestión cultural que organizó el Festival Eñe. El dardo apuntaba a los lectores: fabricarles un espacio literario con distintas propuestas –cortitas, atractivas, superpuestas– que despertaran el apetito cultural. Cuatro días de literatura oral. Cuatro jornadas de conferencias, talleres, conciertos, performances y lecturas en distintos puntos de la ciudad. Un centenar y medio de escritores y más de cuatro mil quinientos participantes. Un festival que eligió la capital uruguaya para debutar en América.

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El espectáculo teatral está experimentando desde hace algunos años –tanto en Buenos Aires como en Montevideo– una etapa de esplendor en cuanto a la creatividad de las puestas en escena, la diversidad de propuestas, la aparición de nuevos talentos actorales, y especialmente en lo que tiene que ver con la nueva dramaturgia. Han surgido autores que tienen mucho que decir y lo hacen con fuerza e intensidad dramática; con propuestas, sobre todo en el caso de los más jóvenes, apoyadas a veces más en lo visual que en lo textual. En este rubro, apenas dos nombres en cada capital platense, a modo de ejemplo: Mariana Percovich y Gabriel Calderón en Montevideo; Mauricio Kartun y Javier Dualte en Buenos Aires.

Desde Barcelona, Joan Manuel Serrat conversó con Dossier, estableciendo una cálida comunicación que tuvo como centro fundamental la poesía y la figura del poeta español Miguel Hernández (1910-1942), a quien dedicó su más reciente trabajo discográfico, Hijo de la luz y de la sombra, grabado casi cuarenta años después del celebrado disco Miguel Hernández, de 1972.

Uno de los principales bailarines de ballet del mundo, el argentino Iñaki Urlezaga, ha dado un paso fundamental en su carrera al incursionar en el difícil arte de la coreografía. Su más reciente creación coreográfica consistió en adaptar una obra emblemática del repertorio de la ópera, La Traviata (La extraviada), de Giuseppe Verdi, basada en la novela La dama de las camelias de Alejandro Dumas, y transformarla en un ballet romántico en dos actos. Esta hazaña implicó adaptar la partitura original, así como ensamblar vestuario, decorado y luces a la composición dancística y los requerimientos de la música. La obra –una producción con más de cuarenta bailarines en escena– fue recientemente estrenada en España y subirá a escena el próximo 2 de diciembre en el Teatro Solís, acompañada por la Filarmónica de Montevideo. La historia, que retrata el intenso y trágico amor de Alfredo y Violeta, es “sencilla y concreta, pero sanguínea”, al decir de Urlezaga, un bailarín que parece no tener límites y en esta oportunidad podrá ser apreciado en sus roles de creador, director y protagonista.

“Una foto ya es un pequeño cuadro, aunque no lo sea completamente. Ese carácter resulta irritante y te hace desear transformarla definitivamente en un cuadro”. Gerhard Richter

¿Qué es una fotografía? En principio, una imagen ‘objetiva’ de un ‘fragmento’ del mundo real, recortado de la totalidad, realizada por un ojo mecánico. Es la imagen del fragmento existente en el momento de accionar el disparador. Es la imagen que se forma en una máquina y que será la misma para todas las máquinas. Mientras esta definición estuvo vigente, la fotografía no dejó de ser documental y su destino fue constituirse en la materia prima de los archivos. En esa hipótesis, la fotografía sobrevive cuando se ha olvidado todo, un rostro, un gesto, un paisaje, una casa, una ciudad.
Empero, pronto se advirtió que su naturaleza fragmentaria no era producto de una condición elegida por el fotógrafo sino de una restricción inherente al instrumento; que su llamada objetividad nace de un ojo encarnado, el del fotógrafo, que es quien realmente percibe y elige la imagen y decide el encuadre. Ya Merleau Ponty sostenía, con su habitual lucidez, que la percepción estiliza, por lo cual la percepción de la realidad sólo puede ser subjetiva. 

Varios son los cronistas que se han detenido en la descripción de los viejos bares y cafés de Montevideo, entre otras cosas porque estos espacios constituyeron ámbitos democratizantes y privilegiados para el intercambio de ideas. Paralelamente a este fenómeno, fue tomando fuerza el concepto de opinión pública, beneficiado por la formación de instituciones sociales (clubes, diarios, revistas) a partir de las cuales la burguesía en ascenso comenzó a desarrollar el libre y equitativo intercambio del discurso.

Gustavo Castagnello

Entre noviembre del 2009 y marzo de este año (dentro del Fotograma 09), Gustavo Castagnello expuso en la Fotogalería del Teatro Solís Ojalá, una muestra dedicada a exhibir parte de las fotografías que realizó a la Comedia Nacional durante más de quince años. Un rescate emotivo de esos encuentros visuales, y también de sus contenidos inmanentes.

ESCENÓGRAFOS Y ARTISTAS

Intervenir un espacio para crear el ambiente necesario donde tenga lugar una representación escénica constituye un hecho artístico por excelencia. La viabilidad de una escenografía en un hecho teatral es resultado de los conocimientos que tiene el escenógrafo en lo formal (técnico) y en lo estético (plástico); pero una escenografía sólo es exitosa si los actores y actrices se la apropian y si contribuye a la narración de la historia. O, al decir del arquitecto José Serroni, si logra ‘‘lo que nosotros, los escenógrafos, buscamos siempre: crear atmósferas propicias para que se vean los espectáculos’’. 

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Históricamente el teatro occidental nace fuera de un espacio convencional, en las procesiones de honor al dios Dionisio, las orgías realizadas al aire libre en la época de la vendimia, en la performance de los actores ambulantes. En la cultura de la Edad Media se habla constantemente del teatro fuera del teatro, donde se ejecutaban matanzas de perros y se realizaban malabares también se representaba teatro. En el Río de la Plata los hermanos José y Pedro Podestá se iniciaron de este modo, a través de circos criollos montados en carpas improvisadas. José (Pepe) es el primero de los hermanos que siente esa atracción de los circos extranjeros que pasan por Montevideo. Todos los hermanos se unen bajo su liderazgo y fundan un circo barrial propio, en un galpón situado entre las calles Isla de Flores y Convención. Luego, hacia 1900, tras largas representaciones en Montevideo, Buenos Aires y las provincias, se arraigan en una sala cerrada. De esta manera se convierten en actores, abandonando aquel pasado de payasos, forzudos y malabaristas. Es a partir de ese momento que se altera la estructura edilicia del espectáculo: ya no cuentan las inclemencias del tiempo y no necesitan forzar el tono de voz. 

Esa extraña nostalgia

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Teatro y música: una sociedad artísticocreativa que tiene raíces en los mismos “fondos de los tiempos históricos”. Materias de un complejo fenómeno perceptivo, donde el movimiento, los gestos, la música, los sonidos no musicales, urden las tramas de un hecho ficticio, único, irrepetible, como cada molécula de la realidad.

CINCO REFERENTES DE LA DANZA CONTEMPORÁNEA DAN SU MIRADA SOBRE EL PANORAMA ACTUAL DE ESTA DISCIPLINA ARTÍSTICA

En el 2010, a cien años de su muerte, la personalidad de Sánchez sigue seduciendo. Su vida y su obra han sido encaradas desde todas las facetas posibles: la que toma como punto de partida su apariencia física de bohemio desgarbado para llegar a explicar algunos aspectos de su vida de periodista ‘a salto de mata’ (que lo llevaron a vivir un poco en Uruguay y otro poco en Argentina); hasta sus simpatías políticas: su filiación anarquista y su participación en la guerra civil de 1897 como soldado ‘nacionalista’ bajo el mando de Aparicio Saravia.

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(Y LOS MIL RECUERDOS QUE QUEDARON)

Recuperar los ecos de la vieja vida teatral montevideana y devolvernos, en esos ecos, la memoria de un patrimonio casi olvidado es el difícil desafío de una muestra sobre teatros montevideanos desaparecidos que puede verse en el espacio de exposiciones del subsuelo del Solís. Doce teatros que Montevideo olvidó rescata la diversidad del mundo del espectáculo entre fines del siglo XIX y mediados del XX, a través de doce salas, desaparecidas hace casi un siglo o que funcionaron hasta hace unas pocas décadas, donde los montevideanos acudían religiosamente a ver teatro, ópera, zarzuela, music hall, circo, shows de magia y hasta boxeo, además de conferencias, convenciones políticas y, por supuesto, cine. Figuras como Sarah Bernhardt, Josephine Baker y García Lorca desfilaron por ellas, y vuelven a hacerlo aquí, a través de programas, fotografías, recortes, objetos y antiguas filmaciones. Documentos históricos, pero también pequeños guiños que el pasado parece hacernos, como pidiéndonos que imaginemos cómo pudo ser.

Qué relación puede existir entre una novela de más de 500 páginas y las tradicionales muñecas rusas: ninguna o muchas. En el caso de Providence, la nueva obra de Juan Francisco Ferré, la respuesta es la segunda, dado que el malagueño construyó un texto en el que convive la literatura, el cine, el videojuego, internet, el reverso del american way of life y el terrorismo post 11-S. De todo esto Ferré habló con Dossier desde Estados Unidos, donde el finalista del Premio Herralde de Novela 2009 tiene su morada para ver y criticar el mundo.

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Es difícil encontrar en el Río de la Plata a una actriz tan irreprochable como Norma Aleandro. Con 74 años y más de 60 de trayectoria, la argentina ha construido una carrera sencillamente monumental. En el cine, se ha lucido en Sol de otoño, El hijo de la novia, Operación masacre y, por supuesto, en la flamante Anita y La historia oficial, el filme de Luis Puenzo que la catapultó internacionalmente.

Sin embargo, su alma, fruto de su propia sensibilidad y de los valores que le inculcaron sus padres –Pedro Aleandro y María Luisa Robledo–, se ha forjado en el teatro, terreno en el que se ha convertido en un verdadero monstruo sagrado de la simulación, fascinando al público en decenas de obras, entre ellas, Beckett, Mi querido mentiroso, Las pequeñas patriotas, La señorita de Tacna y la reciente Agosto. 

Nieto de alemanes, porteño de nacimiento, cordobés por adopción y ciudadano del mundo por efecto de su vocación, Manfredo Kraemer se encuentra en el círculo de privilegio que integran los más grandes intérpretes de la música barroca en el mundo. Ya en 2004, la BBC Music Magazine lo señaló “entre los más destacados e influyentes violinistas barrocos de la actualidad”. Exactamente veinte años antes, en 1984, Kraemer había dejado Argentina para perfeccionarse en la Escuela de Música de Colonia (Alemania), donde trabajó guiado por Franzjosef Maier, pionero en el redescubrimiento del violín barroco y de su técnica. Tan sólo dos años después era invitado a tocar en el célebre ensamble Musica Antiqua Köln, justamente el grupo que lo flechó a sus 18 años en Córdoba, cuando gracias al Instituto Goethe tomó contacto con la discografía de los primeros grupos europeos que impulsaron una revolucionaria relectura de la música barroca. Luego de cumplir este ‘sueño del pibe’, la carrera de Kraemer fue en ascenso constante, cumpliendo cada año con más de cien compromisos en escenarios de los cinco continentes. Así, hoy tiene en su haber más de cuarenta discos grabados, colaboraciones con los popes de música antigua (desde William Christie a Jordi Savall) e invitaciones para participar en los más renombrados ensambles del género, algunos de los cuales fundó (Capriccio Stravagante y The Rare Fruits Council, entre otros). En consonancia con su elección vital de hacer de Córdoba el centro de sus actividades –que igual lo obliga a viajar de manera frecuente–, creó el Festival de Música Barroca ‘Camino de las Estancias’ y La Barroca del Suquía, el grupo que integra y dirige actualmente. Continúa...

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Descubierto por estas latitudes hace unos años gracias a su monumental Con ánimo de amar, el director chino Wong Kar-wai ha sabido atraer la curiosidad y las miradas de muchos cinéfilos occidentales. Más adelante continuó confirmando su talento y su personalísimo estilo con películas que siguieron manteniendo un excelente nivel, y hoy es considerado por muchos como uno de los mejores cineastas en actividad. Quienes exploren su obra se darán cuenta de que, lejos de ser un talento reciente, su maestría viene de tiempo atrás y que también supo crear grandes películas antes de ser reconocido internacionalmente.

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Tras el nombre The Hilton Brothers subyace el binomio creativo integrado por Christopher Makos y Paul Solberg, fotógrafos de evocaciones sugestivas y de reconocida trayectoria internacional. Las crónicas vinculan la génesis de su nombre artístico con la actividad de dos hermanas siamesas estrellas del vodevil estadounidense en los años treinta, y con la posible satirización de su correlato contemporáneo, a través de los escándalos mundanos de las actuales hermanas Paris y Nicky Hilton. Un guiño de ironía tan mordaz como provocador, un gesto contextualizado dentro de ciertas peculiaridades propias de la sociedad de la información...

LA MANSIÓN MÁS REAL DE MONTEVIDEO

Tras el nombre The Hilton Brothers subyace el binomio creativo integrado por Christopher Makos y Paul Solberg, Pinturas españolas, muebles franceses, mármoles y porcelanas de la mejor calidad y una veintena de niños corriendo por salas y salones, patinando, jugando a las escondidas. Así era el Palacio Taranco, edificio que hace cien años construyeron los hermanos Ortiz de Taranco, sin imaginar que un siglo después sería un punto emblemático de Montevideo, un lugar que tiene como protagonista a una familia cuya historia se remonta a la Edad Media. Actual sede del Museo de Artes Decorativas, traspasar sus puertas es revivir el esplendor de la época que lo vio brillar.

Bajo la dirección artística de Julio Bocca comienza una nueva era para el Cuerpo de Baile del Sodre. La gestión del famoso ex bailarín y fundador del Ballet Argentino sin duda renovará en varios aspectos al ballet uruguayo. Bocca hará todo lo que esté en sus manos para que la compañía estatal recupere su antiguo esplendor, contribuya con el enriquecimiento intelectual y espiritual de la comunidad, y festeje en grande sus 75 años.

ENTREVISTA CON PABLO STOLL

Escena de Hiroshima.

CON JACOBO SIRUELA, EN GIRONA

Si bien es poco habitual iniciar una entrevista con una dedicatoria, fue gracias al escritor y periodista catalán Pepe Ribas, fundador y director de la mítica revista española Ajoblanco, que Dossier logró conversar en Girona, cerca del pequeño e histórico pueblo medieval Vilaür, con el prestigioso editor Jacobo Siruela, que en los años 80 irrumpió en el mundo editorial español con una propuesta que dejó su marca indeleble, tanto por el exquisito cuidado grafico como por la alta calidad literaria de los libros que publicaba. 

En Medellín no hubo puerto de ingreso de esclavos africanos. No existió el candombe ni la milonga. No hubo bandoneón hasta bien avanzado el siglo pasado. Tampoco compadritos y cafishos en 1900. Y, sin embargo, el tango se apresta a cumplir el centenario.

En las primeras décadas del siglo XX, lo lógico hubiera sido el imperio del bolero como disciplinador social, que desde 1929 en Colombia contó con la radiotelefonía, el medio por excelencia para imponer los hábitos de consumo en las sociedades latinoamericanas. Música para escuchar y no para bailar, como forma de infundir “la recatada separación de los cuerpos al estilo del amor cortés”, según la investigadora colombiana Carolina Santamaría.
La Iglesia Católica, de fuerte influencia en la capital de Antioquia, había logrado, en defensa de su concepción de la moral, que la municipalidad de Medellín gravara impositivamente a los salones de baile. El vino Favorito, usado en las misas católicas, se vendía en farmacias y no se conocía la misa rea, que décadas después evocarían Nolo López, Astor Piazzolla y Horacio Ferrer.
Por supuesto que hay versiones contrapuestas sobre la llegada del tango a Medellín, como suele ocurrir siempre que se viaja a los orígenes de la cultura popular. Pero en un dato hay coincidencia. El tango llegó primero como canción y no como baile. En Medellín lo introdujeron –que no lo popularizaron– Alejandro Willis y Alberto Escobar, dúo de cantores y guitarristas formado en 1913, que regresó de su viaje a Buenos Aires con el novedoso repertorio del tango canción: combinación de versos gauchescos, milongas camperas, poesía lunfarda y –según el periodista nicaragüense y estudioso del tango Danilo Aguirre Solís– reminiscencias de Rubén Darío. Continúa...

Con el fotógrafo Roberto Fernández Ibáñez

Desde su irrupción en el ámbito fotográfico a mediados de los años ochenta, Roberto Fernández Ibáñez ha ido consolidando un trabajo tan personal como innovador. Reconocido tanto en el medio como en el extranjero (en 2007 fue uno de los nueve fotógrafos seleccionados a nivel mundial para exponer en FotoFets Internacional Discoveries, Houston, Estados Unidos), este fotógrafo y poeta de aristas particulares entremezcla en su hacer las correspondencias inequívocas que pautan determinados componentes, derroteros y correlatos de la actividad artística. En sus trabajos, la síntesis entre la investigación y el motor sensible que lo transporta adquiere la precisión del orfebre. En ellos se percibe un olor de vieja estirpe. La de aquellos artesanos que supieron labrar su arte sobre un legajo espiritual. En noviembre de 2009 expuso una retrospectiva de sus obras en la Fotogalería A Cielo Abierto del Parque Rodó, dentro del Fotograma 09. A comienzos de diciembre inauguró Otra alquimia, exhibida hasta fines de febrero de este año en la Sala 0 del Subte, en el Centro Municipal de Exposiciones. La muestra constó de treinta y tres fotografías sobre papel fotográfico en blanco y negro tradicional, vaporosas en tanto luminosas y oníricas. Atmósferas particulares, con colores obtenidos a través de ciertos procesos de experimentación química sobre soporte analógico. Sus méritos y hallazgos entroncan con aquella actividad misteriosa –mágica y ritual– de quienes moraron entre las puertas de la inmortalidad, o al menos en su búsqueda.

SILENCIOSOS VESTIGIOS DE LOS SIGLOS XVIII Y XIX

Desde que en el año 1617 Hernandarias mandó desembarcar algunas vaquillonas y toros de su estancia santafecina en la costa del actual territorio uruguayo, el ganado deambuló libremente por los desérticos campos de la Banda Oriental, teniendo por únicos límites ciertas barreras naturales como arroyos y ríos. Se iniciaba un proceso que, entre tantos otros cambios, acabaría con la plástica de los campos situados al este del Plata y del río Uruguay, por entonces cubiertos de pasturas que alcanzaban hasta el metro y medio, en un contexto general de ausencia casi total de árboles, a no ser por el monte autóctono que crece en los contornos de los cauces de agua más importantes.

EL DREAM TEAM JUVENIL DE LA DANZA CONTEMPORÁNEA URUGUAYA

“Permitámonos primero enseñarle a los niños a respirar, vibrar, sentir, y transformarse en uno con la armonía general y el movimiento. Permitámonos primero producir un hermoso ser humano”.

Isadora Duncan

Pedro Peralta: ‘Diluvio en el Mercado del puerto’. Acrílico sobre tela.

Comenzamos a conversar de cómo han hecho un arte tan distinto los tres. De cómo se formaron en las distintas ciudades del interior en las que vivieron. Del impulso del padre, Aldo Peralta, un artista de expresión vigorosa y vibrante que murió muy joven. Los años en Brasil, la Ciudad Vieja, los amigos ilustres. La conversación es animada, entreverada, habla uno y otro y los recuerdos se retroalimentan. Inevitable que vuelvan a los orígenes, a Salto, esa ciudad tan culta, mítica y aristocrática de la cual no sienten tanto orgullo.
Lacy llegó a Salto de Mataojo, un paraje tierra adentro donde vivía con sus padres agricultores y nueve hermanos. En medio de una naturaleza más árida que tropical, alejada de la imagen exuberante que recreó Marosa di Giorgio en sus poemas, creció esta chica de ojos rasgados y pelo ondulado, absorbiendo un entorno y una forma de vida que muchos años después le servirían de inspiración para encontrar su forma de expresar el mundo.

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Ricardo Pikenhayn y Nicole Vanderhoeght

En las afueras de la ciudad de San Carlos, cerca de Punta del Este, se encuentra un lugar muy especial, rodeado de naturaleza. Por doquier puede observarse la huella de un lenguaje plástico de honda raigambre en la cultura uruguaya, lenguaje que impregna y magnetiza un ambiente bucólico que sin embargo explota en creación en cuanto ingresamos a los talleres de producción.

Elogio y memoria del zaguán

Fotos: Rodrigo López

De la amplia gama de ruidos que encontramos en las calles montevideanas, podría decirse que en la esquina de Luis Alberto de Herrera y Vaz Ferreira conviven todos. El rugir de los ómnibus y las motos, el golpeteo de los martillos neumáticos, los gritos de algún vecino y el roce de las hojas de los árboles. Allí, en esa misma esquina, está la iglesia de la Sagrada Familia (antigua capilla Jackson). Inmensa, solemne y silenciosa, esta construcción de estilo neogótico alberga en su interior dos gratas sorpresas. La primera está relacionada, justamente, a los sonidos; y es que cuando no hay actividad, en su nave central sólo se escucha el canto de los pájaros. Y la segunda es que sus paredes reúnen una serie de vitrales imponentes por su belleza y complejidad, seguramente de los más atractivos de Montevideo.

Cuando el cine se asoma al teatro

Debbie Reynolds y Gene Kelly en Cantando en la lluvia.

El principio de la estrecha relación mantenida entre el cine y el teatro se remonta quizás al año 1927. La misma obedece a razones más prácticas que artísticas. El nacimiento de las películas sonoras exigía que los actores supiesen hablar con corrección, un requisito con el cual buena parte del los ídolos del cine mudo hollywoodense no cumplían, ya sea por carencias culturales –la comedia musical Cantando en la lluvia (Singin’ in the Rain, 1952), de Gene Kelly y Stanley Donen, ilustra el punto con disfrutable ironía– cuando no por el marcado acento extranjero que mantenían las estrella de origen europeo. De ahí que los estudios decidieran recurrir a actores provenientes del teatro, es decir, a gente capaz de modular y proyectar sus líneas de modo que los primitivos micrófonos de entonces no se perdiesen una sola sílaba.

Con el fotógrafo italiano Manuel Vasón

‘Colaboración’, Francesca Steel.

“En este momento subo al escenario y lo único que hago es disfrutar”

Difícil no verla como la media naranja de Julio Bocca. La rubia menuda de pulcrísima técnica supo ser la otra cara de ese dúo sublime que hechizaba a todos los públicos del mundo, el balletómano y el no entendido.
Supera en cuatro años el límite de edad que se impuso su partenaire para el retiro y sin embargo y a pesar de que lo extraña, se siente mejor que nunca, dueña de una libertad y una madurez que sólo la experiencia pueden dar.
Junto con Bocca, Cassano contribuyó a democratizar la danza al participar en la creación del Ballet Argentino, una compañía que desde su nacimiento se valió de la calidad técnica y de la audacia para incorporar nuevos estilos en sus espectáculos, llenando estadios con producciones impecables y acercando este arte al gran público.

 Coleccionismo, música y memoria

Acumular, conservar y volver a acumular. Con esas conductas ‘compulsivas’, los coleccionistas de discos se han convertido a lo largo del siglo pasado y de los diez años que van del actual, en una reserva invaluable de objetos-signos de nuestra memoria musical; y han logrado revertir, aunque parcialmente, algunas tendencias apocalípticas de este sector de la economía mundial, convirtiéndose en fuente para traducir nuestras experiencias estéticas del pasado al discurso histórico.

Con Mauricio Kartun y Rafael Spregelburd en Montevideo

Ala de criados.

ENTREVISTA CON JOSÉ LUIS PEIXOTO

Foto: Carlos Ferreira.

Para José Luís Peixoto lo único trascendente es estar vivo. Sin embargo, para este joven escritor portugués la vida no es el marco más ajustado para encuadrar una historia. A través de un lenguaje poético muy cercano al de Yves Bonnefoy, este narrador nacido en 1974 en Galveias, Ponte de Sor, le da ese sitial de privilegio a la muerte. Desde allí, todo lo que construye Peixoto parece insultante y a la vez bondadoso. Dicho de otro modo, lo que este hombre de 35 años hace a través de su literatura es entregar a los lectores un poco de la emoción que él experimentó en su vida en distintos hechos –ya sean trágicos o felices–, al mismo tiempo que entrega la emoción que experimenta al evocar nuevamente todo esto, algo parecido a lo que León Tolstoi definía como arte: ‘‘La evocación de un sentimiento que uno ha experimentado y, una vez evocado, transmitirlo por medio de movimientos, líneas, colores, sonidos o palabras de modo tal que los demás experimenten el mismo sentimiento’’.

El artista en busca de la belleza erótica

Uno de los ‘Ignudi’ de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel.

Viaje crítico por cierta poesía erótica uruguaya

Otra vez Eros es el nombre de un poemario de Cristina Peri Rossi (Montevideo, 1941) publicado por la editorial Lumen de Barcelona en 1994. Obra carnívora y báquica que comienza con la misma cita a Safo de Lesbos que había oficiado como epígrafe en su primer poemario, publicado más de dos décadas antes en Montevideo:

Otra vez Eros que desata los miembros
me tortura
dulce y amargo
monstruo invencible.