Programa Nuevas Vías de Acceso

Once bailarines, seleccionados entre los mejores con que cuenta la danza contemporánea local, fueron los protagonistas entre el 16 de julio y el 10 de agosto de un evento poco común que tuvo como escenario el Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV). Performances, solos y talleres de danza contemporánea dieron forma a una actividad artística que procuró establecer un diálogo entre la danza y las artes plásticas.

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El museo revisitado

Equilibrios sobre el parqué

Andrea Lamana y Daniella Passaro hicieron equilibrios sobre cintas de papel que ellas mismas fueron pegando en el suelo. Delimitaron el espacio, lo reformularon. Jugaron. Con ellas mismas, con la danza y hasta con ‘lo sagrado’ del sitio donde se exhibe aquello que se considera una obra de arte. Lamana imitó la forma de una escultura de Fonseca. Se quedó ahí estática y extática, con la boca abierta, inclinada sobre un lado. “¿Y esto es danza?”, dijo un espectador desprevenido.
Unos metros más allá, Passaro bailó con un ramo de margaritas, luego de quitarse el gabán de cuero marrón y los zapatos –blancos y de gruesa suela de goma negra– con los que estuvo haciendo equilibrios sobre las cintas pegadas en el suelo. De pantalón y remera se la vio luego etérea y liviana, en un segundo solo, casi fantasmal entre los cuadros. Su danza era casi una parodia de lo femenino, una delicada exacerbación de un extravagante tocado. Tiró y recogió flores. Movió las manos como si vistiera un tutú. Se armó un loco peinado con margaritas. Se las fue clavando una a una en su pelo recogido.

Había en su ropa y en su estética cierta reminiscencia china o japonesa. Cierta burla a la postura estereotipada de la mujer ‘excesivamente’ femenina, la que no rompe ‘moldes’. Y a la danza clásica.
Passaro explicó su performance: “una mujer viaja y marca su objetivo lanzando un objeto como ‘proyectil’ (un bolso), al estilo de una rayuela gigante, desplazándose de un punto a otro del espacio, dejando su huella, tejiendo su recorrido, construyendo su obra en el transitar. Deja su huella como se narra en el cuento zen en el que un aprendiz de monje lleva un cuenco con agua para entregar a su maestro. En el camino, el agua se va derramando hasta que, cuando éste llega al maestro, no tiene ya ni una gota en el cuenco. Pero cuando el aprendiz se lamenta, el maestro lo invita a darse vuelta y mirar atrás. En cada sitio donde el agua se ha derramado, una flor había crecido, de tal forma que lo que se ve es un hermoso jardín”. Así su performance.

Adriana Belbussi, por su parte, trajo al museo parte de un espectáculo creado con anterioridad: Humano interior, una obra con seis escenas que dura sesenta minutos y que el año pasado ganó los Fondos Concursables del MEC.

Originalmente, la obra fue concebida para que fuera desplazándose por el espacio urbano de las ciudades que visitaría una gira planificada para realizarse en varios departamentos del ‘interior’ de Uruguay. Cinco mujeres eran entonces las protagonistas de una pieza que trataba el tema de la soledad y la pobreza.

“Trabajamos sobre esa necesidad que tiene el individuo de tener un montón de cosas que quizás no son tan importantes. Todo es tratado de manera muy lúdica y utilizando muchos elementos como bolsas de plástico, platos, animalitos de plástico, tacitas. Íbamos siempre andando por la ciudad. Nos desplazábamos corriendo, caminando o en bloque. La última escena es como una pradera llena de flores, en donde nos detenemos un rato a descansar”, contó Belbussi.

En esta oportunidad Belbussi bailó sola. Su solo entró primero por los oídos cuando agitó con fuerza varias bolsas de plástico. Alteró el aire con sus sonidos. Se la vio vestida de calzas y campera negra primero. Luego, como por arte de magia, apareció semidesnuda y cubierta –de a ratos– con un vestido hecho de retazos de papel de aluminio o nailon. Hasta mostrar el torso desnudo, algo a lo que esta intérprete ya tiene bastante acostumbrado a su público.

“Las bolsas hablan de consumo pero también de todos los individuos que andan detrás de ellas, de los individuos que paran y se alimentan de lo que hay adentro. A veces vemos gente durmiendo en el piso, tapada con nailon y ni siquiera reparamos en ello. El traje confeccionado con los envoltorios de la comida es una forma de decir que comer es todo un lujo. Vestirse con una bolsa de polenta o de fideos es una forma de decir: yo puedo comer todo esto, esto me cubre y soy lo que como (o lo que puedo comer)”.

Si en el museo este espectáculo parecía un poco ‘traído de los pelos’, no ocurrió lo mismo con el que ella misma llevó a cabo en el primer piso. Allí utilizó como escenario enormes fotografías ploteadas que mostraban árboles nevados, grises, sin hojas. Con una ancha bombacha roja a lunares blancos, de musculosa negra, descalza, con una gran flor roja que le tapaba totalmente el rostro, Belbussi se contorsionó mínimamente ante los árboles nevados, mientras emitía sonidos disonantes y graves. Creó diálogos ininteligibles y trajo, ella también, reminiscencias orientales. En este caso del teatro No o de la danza Butoh. ‘La flor parlante’ podría haberse llamado esta breve y contundente performance.
Leticia Falkin realizó un largo y sutil diálogo repetitivo, también con varios de los cuadros expuestos en el primer piso. Fue agradable ver cómo ‘entraba y salía’ metafóricamente de las pinturas. Una propuesta diáfana.

En las representaciones de Belbussi (propuesta de la ‘flor parlante’) y Falkin fue donde se pudo apreciar mejor el diálogo o el ‘enriquecimiento’ entre la danza, el espacio del museo y las obras allí expuestas.

Andrea Arobba, Paula Giuria y Florencia Martinelli (de la compañía Trust me) intentaron crear también ese diálogo: en un momento con una escultura de Fonseca y en otro momento con las obras de Miró. ¿Lo consiguieron? Podría decirse que en parte sí. Y en parte, no. Escuchémoslas: “A nivel conceptual tratamos de hacer un planteo de todas las posibilidades que hay de ver una misma cosa. Y de cómo uno se va adaptando, porque en esta búsqueda de cambiar el foco, tu cuerpo va cambiando y se va acomodando y transformando. También intentamos crear la ilusión de generar un espacio distinto, generar un cambio a nivel de la percepción de la gente”, explicaron estas bailarinas.

Miguel Jaime, por su parte, realizó movimientos repetitivos delante de los cuadros. Fue una suerte de espectador danzante. “Me interesó trabajar sobre los distintos planos de repetición: repetir conductas. Repetimos para volver a mirar, para volver a pasar, para aprender, para obtener un resultado. Repito movimientos para construirme y deconstruirme. De esa manera genero una forma de moverme y de esa forma voy modificando el espacio, usando el espacio como el cuerpo, el cuerpo como un espacio que está dentro de otro espacio. Y modificando ese subespacio traté de modificar el espacio general del museo o del lugar donde me encuentro. No espero un resultado, me interesa probar esas ideas y ver cómo funcionan”, comentó.

El resultado general fue una simultaneidad de acciones y movimientos que resultan bastante esterotipados dentro de la danza contemporánea. Se vio también una ‘excesiva quietud’ (en ocasiones las bailarinas se quedaron durante minutos en una misma posición y no danzaron). Y, en general, se observó poca creatividad en la utilización del espacio así como un mínimo diálogo con las infraestructuras.

Durante la conferencia que cerró Vías de Acceso V: Museo en Danza el domingo 10 de agosto,la catedrática argentina Susana Tambutti –especialista en danza contemporánea– dijo entre otras cosas, que había observado a los bailarines “como encapsulados” en sí mismos y en sus propias creaciones.

Melisa Machado. Poeta, periodista, crítica de arte. Fue editora y asistente de edición en diversos medios de prensa. Desde 1990 hasta la fecha escribe en El País Cultural, Punto y aparte, Posdata y Tres, entre otros. Es terapeuta corporal de shiatzu-zen.